JOHNNY GUITAR

(USA) Republic, 1953. 110 min. Color.

Pr Ej: Herbert J. Yates. G: Philip Yordan, basado en una novela de Roy Chanslor. Ft: Harry Stradling. Mt: Richard L. Van Enger. DA: James Sullivan. Ms: Victor Young. Can: Victor Young, cantada por Peggy Lee. Pr y Dr: Nicholas Ray.

Int: Joan Crawford, Sterling Hayden, Mercedes McCambridge, Scott Brady, Ward Bond, Ben Cooper, John Carradine, Ernest Borgnine, Royal Dano, Frank Ferguson, Paul Fix, Rhys Williams, Ian MacDonald, Will Bright, Denver Pyle.

Johnny Logan (Sterling Hayden), un recién llegado con una guitarra y sin revolver en el cinto.

La enérgica Vienna (Joan Crawford), dueña del "saloon", impone cordura a su manera.

Dancin' Kid (Scott Brady) y Johnny frente a frente, disputándose la atención de Vienna.

La enajenada Emma Small (Mercedes McCambridge) y su enlutado ejército de pistoleros en pose desafiante.

Vienna y Johnny tienen un turbulento pasado en común y tras cinco años de ausencia, intentan recuperar lo que parecía haber muerto.

El viejo Tom (John Carradine), el hombre en el que nadie se fija, fiel amigo de Vienna.

SINOPSIS: Un pistolero llamado Johnny Logan acude a la llamada de Vienna, una mujer con la que en el pasado mantuvo un romance y que ahora le necesita para que proteja su negocio, un saloon enclavado en las afueras de una ciudad de Arizona a la que pronto llegará el ferrocarril. Una vez allí, la pasión amorosa de ambos renace, pero las rivalidades, odios, envidias e intereses encontra­dos de diversos personajes, tensan la situación y los acontecimientos se precipitan.

El odio, la envidia y el rencor se dibujan en el rostro contraído de la hombruna Emma, víctima de un oscuro amor no correspondido.

El joven Turkey (Ben Cooper), Vienna y Johnny "Guitar" Logan en pose relajada.

Johnny: ¿A cuántos hombres has olvidado? Vienna: A tantos como mujeres tú recuerdas. Johnny: ¡No te vayas! Vienna: No me he movido. Johnny: Dime algo agradable. Vienna: Claro. ¿Qué quieres que te diga? Johnny: Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años. Dímelo. Vienna: Te he esperado todos estos años. Johnny: Dime que habrías muerto si yo no hubiese vuelto. Vienna: Habría muerto si tú no hubieses vuelto. Johnny: Dime que aún me quieres como yo te quiero. Vienna: Aún te quiero como tú me quieres. Johnny: Gracias (bebe). Muchas gracias.

Corey (Royal Dano), uno de los hombres de la banda de Dancin' Kid, tiene los pulmones enfermos.

Bart (Ernest Borgnine), otro de los componentes de la banda de Dancin' Kid, tiene malas pulgas y además siempre ha desconfiado de Johnny.

Una desenfrenada Emma dando rienda suelta al infierno que lleva dentro.

COMENTARIO: Un claro ejemplo del poder transformador de Nicholas Ray, realizador que luchó siempre con las dificultades derivadas de su carácter inconformista y creativo en los estrechos cauces que marcaba la industria de Hollywood. Aquí, una vulgar novela del Oeste se convirtió en un western extraño e intenso, de un lirismo rayano en lo febril. Su noqueante fuerza visual que va desde el audaz tratamiento del color (el pelotón de jinetes enlutados capitaneados por la furiosa Emma, el vestido blanco de Vienna) a algunos planos, momentos, secuencias difíciles de olvidar (el famoso diálogo nocturno en el que se reencuentran emocionalmente Johnny y Vienna, el rostro de Emma cuando incendia el saloon, el linchamiento del joven Turkey y el rescate de Vienna a punto de correr la misma suerte, etc.), convirtieron a “JOHNNY GUITAR” en una espléndida obra que si bien en su momento no fue apreciada en sus virtudes (ni siquiera por su propio autor que lo pasó muy mal durante el rodaje), los críticos franceses (con Godard a la cabeza), como siempre los primeros, y todos quienes a este lado del Atlántico nos hemos emocionado con sus poderosas imáge­nes, la hemos convertido en un film de culto.

LA PÍCARA SOLTERA (Sex and the Single Girl)

(USA) Warner Bros / Richard Quine / Reynard, 1964. 114 min. Color.

Pr: Willian T. Orr. G: Joseph Heller y David R. Schwarz, basado en el libro de Helen Gurley Brown. Ft: Charles Lang Jr. Mt: David Wages. DA: Cary O’Dell. Vest: Edith Head y Norman Norell. Ms: Neal Hefti. Dr: Richard Quine.

Int: Tony Curtis, Natalie Wood, Henry Fonda, Lauren Bacall, Mel Ferrer, Fran Jeffries, Edward Everett Horton, Otto Kruger, Leslie Parrish, Larry Storch, Stubby Kaye, Howard St. John, Max Showalter, Helen Kleeb, Count Basie y su Orquesta.

Bob Weston (Tony Curtis) y Helen Brown (Natalie Wood) parecen "sorprendidos" del contenido de ese libro que desencadenará la trama de la película. Foto promocional, claro.

Weston defiende su eficaz ausencia de escrúpulos ante Holmes (Max Showalter), el jefe (Edward Everett Horton) y Randall (Howard St.John).

El avieso Weston frente a la incauta doctora Brown: primer round.

La celosa Sylvia (Lauren Bacall) y el desesperado Frank (Henry Fonda) son un matrimonio mal avenido, amigos y vecinos de Weston.

La deliciosa actriz Leslie Parrish (a la que el cine dio pocas oportunidades) interpreta a la hacendosa y complaciente Susan, una de las "amigas" de nuestro hombre Weston.

SINOPSIS: Una revista de gran tirada, especializada en temas escandalosos, encarga a su periodista más experimentado y sagaz la misión de introducirse subrepticiamente en la vida de una bella sexóloga que acaba de publicar un libro de éxito titulado "El sexo y las solteras". La aviesa misión de este individuo es la de desenmas­carar a la doctora demostrando su inexperiencia en la práctica de esta placentera actividad, es decir, su virginidad.

Weston no dudará en recurrir a cualquier sucio truco para "desflorar" el secreto de Helen Brown y luego publicarlo en su revista de cotilleos.

La bella doctora Brown cae en todas las trampas desplegadas por Weston.

El lúbrico y dicharachero Rudy (Mel Ferrer), colega de Helen Brown, dispuesto a "pillar cacho" en cuanto la atractiva psicóloga baje la guardia.

El hiperactivo Bob Weston dando largas a Gretchen (Fran Jeffries), una de sus "novias".

Los estupendos Natalie Wood y Tony Curtis (trabajaron juntos en tres ocasiones) en cariñosa pose para promocionar la película de Quine. 

COMENTARIO: Tras “ENCUENTRO EN PARÍS” (Paris When it Sizzles), última comedia “feliz” de Richard Quine, esta que ahora nos ocupa es la primera de las dos comedias misóginas que el realizador rodó tras la mal asumida ruptura artístico-sentimental con su musa Kim Novak (la siguiente sería “CÓMO MATAR A LA PROPIA ESPOSA”). Nuestro Quine, despechado y con arañazos en el corazón, perdido el cariño por sus personajes, ya no podía ser el mismo de “ME ENAMORÉ DE UNA BRUJA” (Bell, Book and Candle) y es así como se produce el giro que representa en su trayectoria “LA PÍCARA SOLTERA”, una malévola, descreída, frenética y (muy) divertida comedia ambientada, no por casualidad, en el sensacionalista y reprobable mundo del periodismo basura.

La evidente mala uva del realizador queda patente en su acercamiento a todos los personajes a los que dibuja con los trazos de una inmisericorde caricatura. Sin embargo, esta agresividad está en cierta medida “suavizada” por una inteligente y deliciosa formula­ción visual de la que siempre hizo gala el autor de “EL MUNDO DE SUZIE WONG”. A semejanza de una prima ballerina, en “LA PÍCARA SOLTERA”, la cámara de Quine siempre se mueve de puntillas y con elegante ligereza. Pero, además, la película viene adornada con un irrepetible reparto de ilustres comediantes (grandioso Tony Curtis) y una docena de gags antológicos, algunos de los cuales vienen a formar parte de esa desopilante secuencia que configura el climax final: una desenfrenada carrera-caza de todos los protagonistas por una concurrida autopista que los conduce al aeropuerto, resuelta con el ritmo y la geométrica perfección de un ballet.

LIBERTARIAS

(Esp) Sogetel / Lolafilms / Canal+ / Sogepaq, 1996. 130 min. Color. Panavision.

Pr Ej: Andrés Vicente Gómez. G: Antonio Rabinad y Vicente Aranda, basado en un argumento de José Luis Guarner y Vicente Aranda. Ft: José Luis Alcaine. Mt: Teresa Font. DA: Josep Rosell. Vest: Javier Artiñano. Ms: José Nieto. Dr: Vicente Aranda.

Int: Ana Belén, Victoria Abril, Ariadna Gil, Jorge Sanz, Loles León, José Sancho, Miguel Bosé, Blanca Apilánez, Laura Mañá, Alex Cox, Antonio Dechent, Claudia Gravy, Paco Bas, Joan Crosas, María Pujalte, Victoria Vico, Antonio Iranzo, Francisco Maestre, Antonio Canal, José Cerro, Luis Hostalot, Héctor Colomé, Jaroslav Bielski, Enrique Villén, María Galiana, Ángeles Martín.

Aura (Blanca Apilánez), Floren (Victoria Abril) y Concha (Laura Mañá), tres milicianas pertrechadas y a punto de marchar a las trincheras

Las milicianas Pilar (Ana Belén) y Aura se hacen cargo de una temerosa novicia llamada María (Ariadna Gil) camuflada en un prostíbulo

La novicia haciéndose pasar por una prostituta "ejerciendo". Salvar la vida es lo que cuenta en unas circunstancias muy duras

SINOPSIS: La acción comienza el 19 de julio de 1936, el día siguiente al alzamiento de las tropas golpistas contra la República, y narra la eclosión revolucionaria anarquista que se vivió en Cataluña. En una población cercana a Barcelona, se queman conventos y una de las monjas se refugia en un prostíbulo. Allí es reclutada, junto a otras mujeres, por unas milicianas libertarias que integran un grupo femenino que van a luchar al Frente de Aragón con la Columna Durruti.

Floren, Aura, Charo (Loles León),  Concha y Pilar cantan enardecidas sobre el camión que las conduce al frente de Aragón

La inocente María, atrapada en la vorágine de la guerra, es rondada y "protegida" por el oscuro personaje de un cura ligado a Durruti (Miguel Bosé) 

Laura y Pilar en el frente, tal vez presienten su negro destino

COMENTARIO: Esta oscurecida epopeya de las mujeres anarquistas en el comienzo de nuestra Guerra Civil era una vieja idea del llorado José Luis Guarner (uno de los más lúcidos críticos cinematográficos que hemos tenido en este país) y de Vicente Aranda que, por fin, en 1996, fue llevada a la pantalla en condiciones óptimas. Es decir, sobre la base de un denso y trabajado guión cuya arquitectura abarca los diferentes escenarios que conforman ese fresco abigarrado y terrible de una España en guerra. Si bien, la baza fundamental fue el talento de un director que hasta ese momento y durante casi tres décadas había demostrado en una veintena de títulos su indiscutible capacidad para potenciar sin maniqueísmos ni concesiones el contenido en ocasiones espinoso de sus historias, desde las épicas a las más intimistas, a través de un poderoso sentido de la puesta en escena. A este respecto, no olvidemos sus ejemplares (y difíciles) adaptaciones de origen literario. 

El film que ahora nos ocupa, para el que se dispuso de un holgado presupuesto, contó además con un impresionante reparto que reunía a algunas de las mejores actrices de nuestro cine, de las que Aranda, hombre especialmente dotado para indagar en el alma femenina, consiguió arrancar impresionantes composiciones (ahí está la de Victoria Abril) con la dosis de veracidad necesaria para que las imágenes de la película, cargadas de emoción y de una gran fuerza dramática (algunas, en el segmento final, de insoportable dureza), respondieran a los propósitos del realizador, que en su día -hablando de “LIBERTARIAS” declaraba: “Es malo olvidar. Nosotros somos hijos, hermanos y nietos de la gente que vivió aquello, y yo no estoy dispuesto a colaborar con la amnesia del país. La utopía sólo será algo absolutamente irrealizable si dejamos de pensar en ella".

MUERTE EN VENECIA (Morte a Venezia)

(It-Fr) Alfa / PECF, 1971. 129 min. Color. Panavision.

Pr Ej: Mario Gallo. G: Luchino Visconti y Nicola Badalucco, basado en la novela de Thomas Mann. Ft: Pasquale de Santis. Mt: Ruggero Mastroianni. DA: Ferdinando Scarfioti. Vest: Piero Tosi. Ms: Gustav Mahler (3ª y 5ª Sinfonía). Pr y Dr: Luchino Visconti.

Int: Dirk Bogarde, Silvana Mangano, Björn Andersen, Marisa Berenson, Mark Burns, Romolo Valli, Nora Ricci, Carole André, Franco Fabrizi, Leslie French, Sergio Garfagnoli.

Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde) es un compositor en crisis que se refugia en Venecia

Aschenbach, instalado en un lujoso y decadente hotel veneciano, pretende relajar sus tensiones

Sin embargo, esa buscada relajación en la ciudad de los canales no durará demasiado

Su encuentro con el joven Tadzio (Björn Andersen), un efebo adolescente, le trastornará

SINOPSIS: A comienzos del siglo XX, un compositor alemán, afectado por una reciente crisis, llega a Venecia para disfrutar unas reparadoras vacaciones de verano. Instalado en un lujoso y decadente hotel, descubre entre los elegantes hués­pedes a un adolescente de rubios cabellos, silencioso y etéreo, que veranea en el mismo lugar acompañado de su aristocrática familia polaca. Pronto queda atrapado en la fascinación que le produce el efebo al que espiará y seguirá en todo momento.

En ese veneciano hotel Des Bains, también se hospeda la aristocrática familia de Tadzio, encabezada por su madre (Silvana Mangano)

Vemos a un seducido Aschenbach teatralmente teñido y maquillado en un grotesco intento por ocultar su decadencia física y "embellecer" su aspecto

Tadzio representa para Aschenbach la belleza, la perfección inalcanzable para el artista que la persigue

La atmósfera malsana de una Venecia putrefacta es el adecuado escenario para la descomposición

COMENTARIO: La novela de Thomas Mann (trasunto biográfico del músico Gustav Mahler, aspecto que Visconti se encargó de remachar haciendo que el personaje de Gustav Aschenbach, escritor en el libro, fuera compositor en la película), le sirvió de pretexto al autor de "ROCCO Y SUS HERMANOS" para efectuar -desde la lucidez del observador cualificado- una profunda y serena reflexión sobre un ser humano sorprendido por el derrumbe de los diques que sostenían y ocultaban ignorados aspectos de sí mismo.

Así, Aschenbach (soberbio, concienzudo y entregado Dirk Bogarde), anegado por sensaciones e impulsos que no sabe interpretar, incapaz de comprender el sentido último de su errónea actitud, irá sumiéndose en un degenerativo estado de sometimiento a una realidad que le supera. A la vez, el film resulta, dada la naturaleza del protagonista, un alegórico ejercicio (de depurada estética) en torno a los peligros que conlleva la pugna del artista por alcanzar el evanescente, imposible objetivo de la belleza absoluta y la perfección como deseado resultado final de su esfuerzo creativo.

Una búsqueda que en este caso conducirá a Aschenbach, inmerso sin "conciencia" de ello (a diferencia del Don Fabrizio de "EL GATOPARDO") en una aristocrática clase social en estado terminal, a un acelerado proceso de descomposición y desintegración que el realizador acentúa con el asfixiante e insalubre marco de una Venecia de final de temporada (asombrosa recreación de ese hotel Des Bains, invernáculo en cuyo recargado interior pululan alegres y elegantes zombies "protegidos" del exterior), neblinosa y canicular, azotada por una ocultada epidemia de cólera que derretirá literalmente el teatral artificio de juventud en el rostro patéticamente apayasado del compositor. Un Gustav Aschenbach descompuesto y tocado ya por la muerte, derrumbado en su hamaca en esa playa de luz difusa y otoñal, mientras contempla su perseguido e inalcanzado espejismo.

Qué duda cabe que Visconti, un Visconti lúcido y sereno en la cima de su talento, era el director ideal para esta historia -que hizo suya- y que se sitúa en el centro de lo que podríamos denominar una trilogía dedicada a la decadencia, iniciada con "LA CAÍDA DE LOS DIOSES" y cerrada con "LUDWIG", sin olvidarnos del precedente que significó "EL GATOPARDO" ni de la testamentaria "CONFIDENCIAS" (Gruppo di famiglia in un interno).

Por si mis palabras no lo hubieran dejado suficientemente claro (bueno, creo que sí), en estos párrafos se ha estado hablando brevemente de una obra maestra, una de las más fascinantes de la historia del cine.

LOS BUCANEROS (The Buccaneer)

(USA) Paramount / Cecil B. De Mille, 1958. 122 min. Color. VistaVision.

Pr: Henry Wilcoxon. G: Jesse L. Lasky Jr. y Berenice Mosk, a partir del guión de Harold Lamb, Edwin J. Mayer, C. Gardner Sullivan y Jeanie McPherson, inspirado a su vez en el libro "Lafitte the Pirate" de Lyle Saxon. Ft: Loyal Griggs. Mt: Archie Marshek. DA: Hal Pereira, Walter Tyler y Albert Nozaki. Ms: Elmer Bernstein. Dr: Anthony Quinn (supervisado por Cecil B. de Mille).

Int: Yul Brynner, Claire Bloom, Charles Boyer, Charlton Heston, Inger Stevens, Henry Hull, E.G. Marshall, Douglass Dumbrille, Lorne Greene, Ted de Corsia, Robert F. Simon, John Dierkes, George Matthews, Fran Jeffries, Woody Strode, Bruce Gordon, Robert Warwick, Henry Brandon, Harry Shannon, Julia Faye.

Jean Lafitte (Yul Brynner) es un pirata que se rige por unos principios que sigue a rajatabla y que tiene montado un lucrativo negocio que comienza en el mar y se cierra en tierra

Bonnie Brown (Claire Bloom) mantiene con Lafitte una belicosa relación de amor-odio ya que le considera responsable del ahorcamiento de su padre

La bella y refinada Annette Claiborne (Inger Stevens), hija del Gobernador de Nueva Orleans, está enamorada del seductor Lafitte. Sin embargo, ignora un detalle terrible que afectará a esa relación

SINOPSIS: En el año 1812, el pirata Jean Lafitte, hombre refinado y astuto, se ve empujado por una serie de avatares a ayudar por patriotismo, pero en contra de sus intereses, al general Andrew Jackson que con sólo 1.200 hombres decide enfrentarse a un poderoso ejército inglés de 16.000 soldados llegado por mar. Será una decisiva y desigual batalla para impedir que la ciudad de Nueva Orleans sea tomada por el enemigo.

El general Andrew Jackson (Charlton Heston) está empeñado en hacer frente con muy pocos hombres al poderoso ejército inglés que se dispone a tomar Nueva Orleans

La oferta de Lafitte al General Jackson para ayudarle con hombres y armas, consigue introducirle en la buena sociedad de Nueva Orleans. Aquí le vemos con su lugarteniente Dominique You (Charles Boyer) y las dos mujeres que lo aman

Las expectativas de Lafitte en tierra se verán truncadas cuando asume públicamente su responsabilidad indirecta en la muerte de la hermana de Annette. Y decidirá volver al mar, su verdadera patria 

COMENTARIO: Hay películas mucho más importantes que esta a la que ahora dedico la entrada, lo sé, pero se ha abierto paso a codazos colándose por delante de títulos sagrados que esperaban turno y yo la he dejado porque soy un sentimental. Sí, sí, puro delirio nostálgico del que suscribe.

Bueno, a lo que iba, “LOS BUCANEROS” es un remake de "CORSARIOS DE FLORIDA" (The Buccaneer) que Cecil B. de Mille rodó en 1937. La  avanzada edad y delicada salud del autor de "LOS DIEZ MANDAMIENTOS" (había sufrido dos infartos), le impidieron asumir la dirección del film, viéndose obligado de manera insospecha­da a delegar esta labor en su entonces yerno, el actor Anthony Quinn (sin previa experiencia en la dirección), quien se limitó a seguir con disciplinada eficacia las estrictas pautas marcadas por su suegro. El resultado fue una tal vez anticuada, pero muy agradable película de aventuras trenzadas con romances contrariados, en un contexto épico-histórico. Un espectáculo de “primitiva” puesta en escena que sin embargo resulta, por momentos, fascinante en su anacrónica belleza (pictórica utilización del color y la composición de los encuadres).

Por agradecimiento a De Mille, con el que ya había trabajado en dos ocasiones, Charlton Heston aceptó en esta película un papel secundario (el del general Andrew Jackson que ya había incorporado seis años antes en “LA DAMA MARCADA” de Henry Levin), de nuevo junto a Yul Brynner que por exigencias del personaje lucía aquí bigote y peluquín, lo que sin duda restaba al actor buena parte de su exótico atractivo (tal vez por eso los publicistas decidieron eliminar en su día esos atributos de su efigie en los carteles publicitarios).

MÁS ALLÁ DE LAS NUBES (Par-delà les nuages / Beyond the Clouds)

(Fr-It-Al) France 3 / Artificial Eye / Sunshine / Ceccho Gori / Road Movies, 1995. 112 min. Color.

Pr: Philippe Carcassonne, Stéphane Tchalgadjieff y Arlette Danys. G: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni y Wim Wenders, basado en el libro de cuentos “Quel Bowling sul Tevere” de M. Antonioni. Ft: Alfio Contini y Robby Müller. Mt: Claudio di Mauro, M. Antonioni, Peter Przygodda y Luciano Segura. DA: Thierry Flamand. Ms: Lucio Dalla, Laurent Petitgang, Van Morrison, Brian Eno y Bono. Dr: Michelangelo Antonioni y Wim Wenders.

Int: Fanny Ardant, Chiara Caselli, Irène Jacob, John Malkovich, Sophie Marceau, Vincent Perez, Jean Reno, Kim Rossi Stuart, Inés Sastre, Peter Weller, Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau.

Silvano (Kim Rossi Stuart)  y Carmen (Inés Sastre) viven un romance en Ferrara

El grado de fascinación que Silvano siente ante la aparición de Carmen llega a impedirle el contacto físico con la muchacha

Extraño encuentro carnal entre una enigmática mujer sin nombre (Sophie Marceau) y el director de cine (John Malkovich)

Esa mujer guarda un secreto que finalmente revela, aumentando su enigma 

SINOPSIS: Un director de cine con una cámara de bolsillo, recorre algunas ciudades de Italia y Francia. Su deambular geográfico así como su viaje interior le van inspirando cuatro historias de amor con la mujer como centro y los escenarios serán Ferrara, Portofino, París y Aix en Provence, respectivamente.

1ª – “Crónica de un amor que nunca existió”: En Ferrara, un joven conoce a una bella muchacha y queda tan cautivado que ello le impide consumar fisicamente su deseo por ella.

2ª.– “La muchacha, el delito”: Recorriendo las calles de Portofino fuera de temporada, el director de cine queda fascinado con una misteriosa joven que le confiesa “he matado a mi padre".

3ª – “No me busques”: En un lujoso apartamento de París, una esposa abandonada, ahora con otro hombre, tiene un encuentro con su recién regre­sado e indeciso marido.

4ª – “Ese cuerpo de barro”: Un hombre sigue a una dulce y huidiza muchacha, la aborda e intenta un acercamiento. Pero este corto e imposible romance concluye cuando ella le revela su intención de ingresar en un convento.

Patricia (Fanny Ardant) y Carlo (Jean Reno), una pareja rota, vuelven a verse

Niccolo (Vincent Perez) se topa con una dulce y etérea muchacha (Irène Jacob) y algo le empuja a seguirla

Esa muchacha finalmente confesará a Niccolo sus planes de futuro

COMENTARIO: Tras un largo periodo de inactividad debido a serios problemas de salud, Antonioni, reuniendo fuerzas y desde una silla de ruedas, regresó al trabajo con esta película que –muy de lamentar– constituiría su (casi) definitiva despedida. Son cuatro historias con independencia dramática pero unidas por un hilo conduc­tor: accedemos a ellas desde el punto de vista de un narrador, el director de cine (alter ego de Antonioni), un hombre sumido en el silencio y la soledad, que busca y encuentra (porque son el centro) a mujeres misteriosas, inspiradoras, evanescentes y es a través de ellas, tejiendo historias, que nos son mostrados diferentes aspectos del amor, el desamor, el afecto sublimado, la sensualidad. 

Los pequeños segmentos que unen cada episodio fueron dirigidos por Wim Wenders que trabajó en todo momento como ayudante de Antonioni debido a las severas limitaciones físicas que en aquellos momentos sufría el autor de “LA AVENTURA”. Quien esto escribe, un servidor, confiesa encontrarse aún bajo el poderoso influjo de algunas imágenes de esta película de inspiración terminal y desea destacar como claves los episodios segundo (de misteriosa e hipnótica belleza) y cuarto (melancólico y desatadamente romántico, lo profano y lo divino llegan a rozarse durante un instante).

El film se cierra con un bellísimo y escalofriante travelling-epílogo que, aunque rodado por Wenders, sintetiza visualmente la confesión de una imposibilidad, la de un viaje interior de imposible conclusión y que Antonioni definió en su día: “Noso­tros sabemos que debajo de esa imagen revelada hay otra más fiel a la realidad, y debajo de ésta otra, y otras aún debajo de esta última, hasta llegar a la verdadera imagen de esa realidad, absoluta, misteriosa, que nadie verá nunca".

CAMELOT (Camelot)

(USA) Warner Bros-Seven Arts, 1966. 180 min. Color. Super Panavision 70.

Pr: Jack L. Warner. G: Alan Jay Lerner, basado en la novela “The Once and Future King” de T.H. White. Ft: Richard H. Kline. Mt: Folmar Blangster. DP y Vest: John Truscott. DA: Edward Carrere. Ms y Can: Frederick Loewe (música) y Alan Jay Lerner (letras). Dr Ms: Alfred Newman y Ken Darby. Dr: Joshua Logan.

Int: Richard Harris, Vanessa Redgrave, Franco Nero, Lionel Jeffries, David Hemmings, Laurence Naismith, Estelle Winwood, Pierre Olaf, Anthony Rogers, Gary Marshal.

Ocultando su condición de rey, Arthur (Richard Harris) conoce a Guinevere (Vanessa Redgrave) en el bosque de Camelot

El rey Arthur tiene un ideal y muchas dificultades para materializarlo

Guinevere es animosa, bella e inteligente, pero en Camelot el destino le reserva amargos tragos

Sir Lancelot (Franco Nero) debe lealtad al rey Arthur y a la Mesa Redonda, pero se enamora de la esposa del monarca, la reina Guinevere

SINOPSIS: En Camelot, el rey Arthur se casa con la bella Guinevere. Pero quiere el destino que el caballero Lancelot y la recién desposada queden atrapados en una pasión culpable y sin futuro. Se esta­blece entonces un torturado triángulo que acabará con los sueños utópicos del rey de armonía y bienestar para su reino, traerá la guerra y destruirá para siempre  la felicidad de los tres.

El rey Arthur habrá de luchar por su sueño y contra la traición del retorcido y ambicioso Mordred, deseoso de arrebatarle el trono

El rey Pellinore (Lionel Jeffreys), amigo de Arthur, es el más anciano componente de la Mesa Redonda

La serena belleza de la reina Guinevere emerge entre sus lujosos ropajes 

La pasión amorosa nacida entre Lancelot y Guinevere será instrumentalizada por Mordred para sus fines

COMENTARIO: Uno de los últimos grandes musicales agónicos que produjo Hollywood (cuyos exteriores fueron, curiosamente, rodados en España por expreso deseo de Joshua Logan) cuando en el género se estaba efectuando una drástica “reducción de plantilla” a consecuencia de los disparados presupuestos y atendiendo a los mutados gustos de los nuevos espectadores –Logan sería también, tres años más tarde, el encargado de clausurarlo oficialmente con la excelente y melancólica “LA LEYENDA DE LA CIUDAD SIN NOMBRE” (Paint Your Wagon)– que pronto se decantarían por espectáculos de discutible concepción como “HAIR” y “JESUCRISTO SUPERSTAR”, hasta desem­bocar en el, por otro lado, notable “GREASE”.

En el caso que nos ocupa, la feliz elección del último trabajo, uno de los más inspirados, del genial binomio Lerner & Loewe, dió como resultado un film de asombrosa belleza, original y arriesgado en su modernidad, entendiendo este término como una apuesta por soluciones visuales y de puesta en escena tan adecuadas como inteligentes, pero que no se ajustaban estrictamente a los cánones clásicos de un musi­cal de Broadway trasladado al cine. En este sentido, cabe destacar la sorprendente opción de filmar los cantables con abundantes y sostenidos primeros planos recogidos por una atenta y, en ocasiones, emocionada cámara.
El bello tema de la historia que nos cuentan –los ideales vencidos por la pasión, la demolición de un sueño y la esperanza renacida de sus escombros–, los excelentes diálogos que van de la brillante ligereza en los momentos de comedia (el tono imperante en toda la primera parte del film que se rompe bruscamente en el resultado final del torneo entre Lancelot y los tres caballeros) al dramatismo y profundidad filosófica en la oscu­recida y pesimista segunda parte, el espléndido trabajo de Logan con los actores (gran fuerza en las miradas) y, por supuesto, la música de Frederick Loewe, hacen de “CAMELOT” un film hermoso e irrepetible (pese al recurrente saqueo del mito artúrico en el cine de las últimas décadas y que desemboca, de momento, en la nefasta “EL PRIMER CABALLERO” y la poco interesante “EL REY ARTURO”) y uno de los más grandes musicales de la historia del cine.

La película ganaría tres Oscars (dirección artística, dirección musical, vestuario). Pese a ello, y a las más que evidentes virtudes expuestas en este breve comentario, los resultados de “CAMELOT” en taquilla fueron decepcionantes. El musical clásico from Broadway, como género cinematográfico, ya era historia.