LIBERTARIAS

(Esp) Sogetel / Lolafilms / Canal+ / Sogepaq, 1996. 130 min. Color. Panavision.

Pr Ej: Andrés Vicente Gómez. G: Antonio Rabinad y Vicente Aranda, basado en un argumento de José Luis Guarner y Vicente Aranda. Ft: José Luis Alcaine. Mt: Teresa Font. DA: Josep Rosell. Vest: Javier Artiñano. Ms: José Nieto. Dr: Vicente Aranda.

Int: Ana Belén, Victoria Abril, Ariadna Gil, Jorge Sanz, Loles León, José Sancho, Miguel Bosé, Blanca Apilánez, Laura Mañá, Alex Cox, Antonio Dechent, Claudia Gravy, Paco Bas, Joan Crosas, María Pujalte, Victoria Vico, Antonio Iranzo, Francisco Maestre, Antonio Canal, José Cerro, Luis Hostalot, Héctor Colomé, Jaroslav Bielski, Enrique Villén, María Galiana, Ángeles Martín.

Aura (Blanca Apilánez), Floren (Victoria Abril) y Concha (Laura Mañá), tres milicianas pertrechadas y a punto de marchar a las trincheras

Las milicianas Pilar (Ana Belén) y Aura se hacen cargo de una temerosa novicia llamada María (Ariadna Gil) camuflada en un prostíbulo

La novicia haciéndose pasar por una prostituta "ejerciendo". Salvar la vida es lo que cuenta en unas circunstancias muy duras

SINOPSIS: La acción comienza el 19 de julio de 1936, el día siguiente al alzamiento de las tropas golpistas contra la República, y narra la eclosión revolucionaria anarquista que se vivió en Cataluña. En una población cercana a Barcelona, se queman conventos y una de las monjas se refugia en un prostíbulo. Allí es reclutada, junto a otras mujeres, por unas milicianas libertarias que integran un grupo femenino que van a luchar al Frente de Aragón con la Columna Durruti.

Floren, Aura, Charo (Loles León),  Concha y Pilar cantan enardecidas sobre el camión que las conduce al frente de Aragón

La inocente María, atrapada en la vorágine de la guerra, es rondada y "protegida" por el oscuro personaje de un cura ligado a Durruti (Miguel Bosé) 

Laura y Pilar en el frente, tal vez presienten su negro destino

COMENTARIO: Esta oscurecida epopeya de las mujeres anarquistas en el comienzo de nuestra Guerra Civil era una vieja idea del llorado José Luis Guarner (uno de los más lúcidos críticos cinematográficos que hemos tenido en este país) y de Vicente Aranda que, por fin, en 1996, fue llevada a la pantalla en condiciones óptimas. Es decir, sobre la base de un denso y trabajado guión cuya arquitectura abarca los diferentes escenarios que conforman ese fresco abigarrado y terrible de una España en guerra. Si bien, la baza fundamental fue el talento de un director que hasta ese momento y durante casi tres décadas había demostrado en una veintena de títulos su indiscutible capacidad para potenciar sin maniqueísmos ni concesiones el contenido en ocasiones espinoso de sus historias, desde las épicas a las más intimistas, a través de un poderoso sentido de la puesta en escena. A este respecto, no olvidemos sus ejemplares (y difíciles) adaptaciones de origen literario. 

El film que ahora nos ocupa, para el que se dispuso de un holgado presupuesto, contó además con un impresionante reparto que reunía a algunas de las mejores actrices de nuestro cine, de las que Aranda, hombre especialmente dotado para indagar en el alma femenina, consiguió arrancar impresionantes composiciones (ahí está la de Victoria Abril) con la dosis de veracidad necesaria para que las imágenes de la película, cargadas de emoción y de una gran fuerza dramática (algunas, en el segmento final, de insoportable dureza), respondieran a los propósitos del realizador, que en su día -hablando de “LIBERTARIAS” declaraba: “Es malo olvidar. Nosotros somos hijos, hermanos y nietos de la gente que vivió aquello, y yo no estoy dispuesto a colaborar con la amnesia del país. La utopía sólo será algo absolutamente irrealizable si dejamos de pensar en ella".

LOS BUCANEROS (The Buccaneer)

(USA) Paramount / Cecil B. De Mille, 1958. 122 min. Color. VistaVision.

Pr: Henry Wilcoxon. G: Jesse L. Lasky Jr. y Berenice Mosk, a partir del guión de Harold Lamb, Edwin J. Mayer, C. Gardner Sullivan y Jeanie McPherson, inspirado a su vez en el libro "Lafitte the Pirate" de Lyle Saxon. Ft: Loyal Griggs. Mt: Archie Marshek. DA: Hal Pereira, Walter Tyler y Albert Nozaki. Ms: Elmer Bernstein. Dr: Anthony Quinn (supervisado por Cecil B. de Mille).

Int: Yul Brynner, Claire Bloom, Charles Boyer, Charlton Heston, Inger Stevens, Henry Hull, E.G. Marshall, Douglass Dumbrille, Lorne Greene, Ted de Corsia, Robert F. Simon, John Dierkes, George Matthews, Fran Jeffries, Woody Strode, Bruce Gordon, Robert Warwick, Henry Brandon, Harry Shannon, Julia Faye.

Jean Lafitte (Yul Brynner) es un pirata que se rige por unos principios que sigue a rajatabla y que tiene montado un lucrativo negocio que comienza en el mar y se cierra en tierra

Bonnie Brown (Claire Bloom) mantiene con Lafitte una belicosa relación de amor-odio ya que le considera responsable del ahorcamiento de su padre

La bella y refinada Annette Claiborne (Inger Stevens), hija del Gobernador de Nueva Orleans, está enamorada del seductor Lafitte. Sin embargo, ignora un detalle terrible que afectará a esa relación

SINOPSIS: En el año 1812, el pirata Jean Lafitte, hombre refinado y astuto, se ve empujado por una serie de avatares a ayudar por patriotismo, pero en contra de sus intereses, al general Andrew Jackson que con sólo 1.200 hombres decide enfrentarse a un poderoso ejército inglés de 16.000 soldados llegado por mar. Será una decisiva y desigual batalla para impedir que la ciudad de Nueva Orleans sea tomada por el enemigo.

El general Andrew Jackson (Charlton Heston) está empeñado en hacer frente con muy pocos hombres al poderoso ejército inglés que se dispone a tomar Nueva Orleans

La oferta de Lafitte al General Jackson para ayudarle con hombres y armas, consigue introducirle en la buena sociedad de Nueva Orleans. Aquí le vemos con su lugarteniente Dominique You (Charles Boyer) y las dos mujeres que lo aman

Las expectativas de Lafitte en tierra se verán truncadas cuando asume públicamente su responsabilidad indirecta en la muerte de la hermana de Annette. Y decidirá volver al mar, su verdadera patria 

COMENTARIO: Hay películas mucho más importantes que esta a la que ahora dedico la entrada, lo sé, pero se ha abierto paso a codazos colándose por delante de títulos sagrados que esperaban turno y yo la he dejado porque soy un sentimental. Sí, sí, puro delirio nostálgico del que suscribe.

Bueno, a lo que iba, “LOS BUCANEROS” es un remake de "CORSARIOS DE FLORIDA" (The Buccaneer) que Cecil B. de Mille rodó en 1937. La  avanzada edad y delicada salud del autor de "LOS DIEZ MANDAMIENTOS" (había sufrido dos infartos), le impidieron asumir la dirección del film, viéndose obligado de manera insospecha­da a delegar esta labor en su entonces yerno, el actor Anthony Quinn (sin previa experiencia en la dirección), quien se limitó a seguir con disciplinada eficacia las estrictas pautas marcadas por su suegro. El resultado fue una tal vez anticuada, pero muy agradable película de aventuras trenzadas con romances contrariados, en un contexto épico-histórico. Un espectáculo de “primitiva” puesta en escena que sin embargo resulta, por momentos, fascinante en su anacrónica belleza (pictórica utilización del color y la composición de los encuadres).

Por agradecimiento a De Mille, con el que ya había trabajado en dos ocasiones, Charlton Heston aceptó en esta película un papel secundario (el del general Andrew Jackson que ya había incorporado seis años antes en “LA DAMA MARCADA” de Henry Levin), de nuevo junto a Yul Brynner que por exigencias del personaje lucía aquí bigote y peluquín, lo que sin duda restaba al actor buena parte de su exótico atractivo (tal vez por eso los publicistas decidieron eliminar en su día esos atributos de su efigie en los carteles publicitarios).

MÁS ALLÁ DE LAS NUBES (Par-delà les nuages / Beyond the Clouds)

(Fr-It-Al) France 3 / Artificial Eye / Sunshine / Ceccho Gori / Road Movies, 1995. 112 min. Color.

Pr: Philippe Carcassonne, Stéphane Tchalgadjieff y Arlette Danys. G: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni y Wim Wenders, basado en el libro de cuentos “Quel Bowling sul Tevere” de M. Antonioni. Ft: Alfio Contini y Robby Müller. Mt: Claudio di Mauro, M. Antonioni, Peter Przygodda y Luciano Segura. DA: Thierry Flamand. Ms: Lucio Dalla, Laurent Petitgang, Van Morrison, Brian Eno y Bono. Dr: Michelangelo Antonioni y Wim Wenders.

Int: Fanny Ardant, Chiara Caselli, Irène Jacob, John Malkovich, Sophie Marceau, Vincent Perez, Jean Reno, Kim Rossi Stuart, Inés Sastre, Peter Weller, Marcello Mastroianni, Jeanne Moreau.

Silvano (Kim Rossi Stuart)  y Carmen (Inés Sastre) viven un romance en Ferrara

El grado de fascinación que Silvano siente ante la aparición de Carmen llega a impedirle el contacto físico con la muchacha

Extraño encuentro carnal entre una enigmática mujer sin nombre (Sophie Marceau) y el director de cine (John Malkovich)

Esa mujer guarda un secreto que finalmente revela, aumentando su enigma 

SINOPSIS: Un director de cine con una cámara de bolsillo, recorre algunas ciudades de Italia y Francia. Su deambular geográfico así como su viaje interior le van inspirando cuatro historias de amor con la mujer como centro y los escenarios serán Ferrara, Portofino, París y Aix en Provence, respectivamente.

1ª – “Crónica de un amor que nunca existió”: En Ferrara, un joven conoce a una bella muchacha y queda tan cautivado que ello le impide consumar fisicamente su deseo por ella.

2ª.– “La muchacha, el delito”: Recorriendo las calles de Portofino fuera de temporada, el director de cine queda fascinado con una misteriosa joven que le confiesa “he matado a mi padre".

3ª – “No me busques”: En un lujoso apartamento de París, una esposa abandonada, ahora con otro hombre, tiene un encuentro con su recién regre­sado e indeciso marido.

4ª – “Ese cuerpo de barro”: Un hombre sigue a una dulce y huidiza muchacha, la aborda e intenta un acercamiento. Pero este corto e imposible romance concluye cuando ella le revela su intención de ingresar en un convento.

Patricia (Fanny Ardant) y Carlo (Jean Reno), una pareja rota, vuelven a verse

Niccolo (Vincent Perez) se topa con una dulce y etérea muchacha (Irène Jacob) y algo le empuja a seguirla

Esa muchacha finalmente confesará a Niccolo sus planes de futuro

COMENTARIO: Tras un largo periodo de inactividad debido a serios problemas de salud, Antonioni, reuniendo fuerzas y desde una silla de ruedas, regresó al trabajo con esta película que –muy de lamentar– constituiría su (casi) definitiva despedida. Son cuatro historias con independencia dramática pero unidas por un hilo conduc­tor: accedemos a ellas desde el punto de vista de un narrador, el director de cine (alter ego de Antonioni), un hombre sumido en el silencio y la soledad, que busca y encuentra (porque son el centro) a mujeres misteriosas, inspiradoras, evanescentes y es a través de ellas, tejiendo historias, que nos son mostrados diferentes aspectos del amor, el desamor, el afecto sublimado, la sensualidad. 

Los pequeños segmentos que unen cada episodio fueron dirigidos por Wim Wenders que trabajó en todo momento como ayudante de Antonioni debido a las severas limitaciones físicas que en aquellos momentos sufría el autor de “LA AVENTURA”. Quien esto escribe, un servidor, confiesa encontrarse aún bajo el poderoso influjo de algunas imágenes de esta película de inspiración terminal y desea destacar como claves los episodios segundo (de misteriosa e hipnótica belleza) y cuarto (melancólico y desatadamente romántico, lo profano y lo divino llegan a rozarse durante un instante).

El film se cierra con un bellísimo y escalofriante travelling-epílogo que, aunque rodado por Wenders, sintetiza visualmente la confesión de una imposibilidad, la de un viaje interior de imposible conclusión y que Antonioni definió en su día: “Noso­tros sabemos que debajo de esa imagen revelada hay otra más fiel a la realidad, y debajo de ésta otra, y otras aún debajo de esta última, hasta llegar a la verdadera imagen de esa realidad, absoluta, misteriosa, que nadie verá nunca".

CAMELOT (Camelot)

(USA) Warner Bros-Seven Arts, 1966. 180 min. Color. Super Panavision 70.

Pr: Jack L. Warner. G: Alan Jay Lerner, basado en la novela “The Once and Future King” de T.H. White. Ft: Richard H. Kline. Mt: Folmar Blangster. DP y Vest: John Truscott. DA: Edward Carrere. Ms y Can: Frederick Loewe (música) y Alan Jay Lerner (letras). Dr Ms: Alfred Newman y Ken Darby. Dr: Joshua Logan.

Int: Richard Harris, Vanessa Redgrave, Franco Nero, Lionel Jeffries, David Hemmings, Laurence Naismith, Estelle Winwood, Pierre Olaf, Anthony Rogers, Gary Marshal.

Ocultando su condición de rey, Arthur (Richard Harris) conoce a Guinevere (Vanessa Redgrave) en el bosque de Camelot

El rey Arthur tiene un ideal y muchas dificultades para materializarlo

Guinevere es animosa, bella e inteligente, pero en Camelot el destino le reserva amargos tragos

Sir Lancelot (Franco Nero) debe lealtad al rey Arthur y a la Mesa Redonda, pero se enamora de la esposa del monarca, la reina Guinevere

SINOPSIS: En Camelot, el rey Arthur se casa con la bella Guinevere. Pero quiere el destino que el caballero Lancelot y la recién desposada queden atrapados en una pasión culpable y sin futuro. Se esta­blece entonces un torturado triángulo que acabará con los sueños utópicos del rey de armonía y bienestar para su reino, traerá la guerra y destruirá para siempre  la felicidad de los tres.

El rey Arthur habrá de luchar por su sueño y contra la traición del retorcido y ambicioso Mordred, deseoso de arrebatarle el trono

El rey Pellinore (Lionel Jeffreys), amigo de Arthur, es el más anciano componente de la Mesa Redonda

La serena belleza de la reina Guinevere emerge entre sus lujosos ropajes 

La pasión amorosa nacida entre Lancelot y Guinevere será instrumentalizada por Mordred para sus fines

COMENTARIO: Uno de los últimos grandes musicales agónicos que produjo Hollywood (cuyos exteriores fueron, curiosamente, rodados en España por expreso deseo de Joshua Logan) cuando en el género se estaba efectuando una drástica “reducción de plantilla” a consecuencia de los disparados presupuestos y atendiendo a los mutados gustos de los nuevos espectadores –Logan sería también, tres años más tarde, el encargado de clausurarlo oficialmente con la excelente y melancólica “LA LEYENDA DE LA CIUDAD SIN NOMBRE” (Paint Your Wagon)– que pronto se decantarían por espectáculos de discutible concepción como “HAIR” y “JESUCRISTO SUPERSTAR”, hasta desem­bocar en el, por otro lado, notable “GREASE”.

En el caso que nos ocupa, la feliz elección del último trabajo, uno de los más inspirados, del genial binomio Lerner & Loewe, dió como resultado un film de asombrosa belleza, original y arriesgado en su modernidad, entendiendo este término como una apuesta por soluciones visuales y de puesta en escena tan adecuadas como inteligentes, pero que no se ajustaban estrictamente a los cánones clásicos de un musi­cal de Broadway trasladado al cine. En este sentido, cabe destacar la sorprendente opción de filmar los cantables con abundantes y sostenidos primeros planos recogidos por una atenta y, en ocasiones, emocionada cámara.
El bello tema de la historia que nos cuentan –los ideales vencidos por la pasión, la demolición de un sueño y la esperanza renacida de sus escombros–, los excelentes diálogos que van de la brillante ligereza en los momentos de comedia (el tono imperante en toda la primera parte del film que se rompe bruscamente en el resultado final del torneo entre Lancelot y los tres caballeros) al dramatismo y profundidad filosófica en la oscu­recida y pesimista segunda parte, el espléndido trabajo de Logan con los actores (gran fuerza en las miradas) y, por supuesto, la música de Frederick Loewe, hacen de “CAMELOT” un film hermoso e irrepetible (pese al recurrente saqueo del mito artúrico en el cine de las últimas décadas y que desemboca, de momento, en la nefasta “EL PRIMER CABALLERO” y la poco interesante “EL REY ARTURO”) y uno de los más grandes musicales de la historia del cine.

La película ganaría tres Oscars (dirección artística, dirección musical, vestuario). Pese a ello, y a las más que evidentes virtudes expuestas en este breve comentario, los resultados de “CAMELOT” en taquilla fueron decepcionantes. El musical clásico from Broadway, como género cinematográfico, ya era historia.

LOS PROFESIONALES (The Professionals)

(USA) Columbia / Pax, 1966. 122 min. Color. Panavision.

G: Richard Brooks, basado en la novela "Two Mules for the Marquesa" de Frank O'Rourke. Ft: Conrad Hall. Mt: Peter Zinner. DA: Edward S. Haworth. Ms: Maurice Jarre. Pr y Dr: Richard Brooks.

Int: Burt Lancaster, Lee Marvin, Jack Palance, Robert Ryan, Ralph Bellamy, Claudia Cardinale, Woody Strode, Marie Gómez, Joe de Santis, Jorge Martínez de Hoyos, Rafael Bertrand, Carlos Romero, José Chávez, Vaughn Taylor.

El engreído millonario Joe Grant (Ralph Bellamy) contrata a cuatro aventureros para que "rescaten" a su esposa, supuestamente raptada por un revolucionario mexicano.

El revolucionario Jesús Raza (Jack Palance) consigue apoderarse de un tren con tropas y armamento federales

Rico (Lee Marvin) y Dolworth (Burt Lancaster) son dos viejos camaradas que vuelven a encontrarse al cabo de los años en una aventura que les llevará de nuevo a Mexico

Jake (Woody Strode), Rico, Hans (Robert Ryan) y Dolworth, ya en territorio mexicano, estudian el terreno y sus posibilidades

SINOPSIS: En 1917, un ranchero millonario gringo contrata los servicios de cuatro expertos hombres de acción para que se introduzcan en territorio de México y rescaten a su esposa que, según les explica, ha sido raptada por un supuesto bandido que resulta ser un líder revolucionario. Estos mercenarios llevan a cabo su arriesgada misión, pero les esperan algunas sorpresas.

La brava "Chiquita" (Marie Gomez) y un maltrecho Raza se encuentran en una situación apurada

Dolworth, que siente simpatía por Raza, trata, no obstante, de cazarlo como medida prudencial para seguir vivo

El veterano Hans, experto en caballos, es herido en una refriega y ello complica las cosas al grupo

Según opina Rico, la bella y sensual María (Claudia Cardinale), objeto de la peligrosa misión, es una mujer capaz de convertir a un niño en hombre, y a un hombre en niño

COMENTARIO: Este magnífico western que podríamos considerar el precedente más claro del film de Peckinpah “GRUPO SALVAJE”, posee las virtudes de las obras clásicas del género (pureza, brío y grandeza) sin por ello excluir la reflexión. Ésta surge, lineal y diáfana, apoyada en unos espléndidos diálogos (baste recordar la desencantada conversación que mantienen entre las rocas, en el último tercio de la película, Raza (Jack Palance) y Dolworth (Burt Lancaster), a partir de la presentación de unos personajes fuera de época rigiéndose y actuando según un código ético defraudado por el actual embo­rronamiento de las antiguas divisiones. Necesitarán cambiar de bando para recuperarlas y dar sentido a la aventura. En suma, una gran película con un grandioso reparto de ilustres veteranos en plena forma.

Brooks, casi como una consecuencia lógica de este título que comentamos, rodó nueve años después  (ya en la recta final de su carrera) “MUERDE LA BALA”, otro hermoso western, abrupto y despojado, habitado por personajes (los incorporados por Gene Hackman, James Coburn y Ben Johnson) cuyas actitudes vitales ya no encuentran acomodo en un mundo que ha dejado de pertenecerles. Por eso, el realizador se alinea con ellos en el crepúsculo, con los bien nacidos, y nos lo volvía a contar a través de una soberbia puesta en escena, como ya hiciera en “LOS PROFESIONALES".

YO SOY EL PADRE Y LA MADRE (Rock-a-Bye Baby)

(USA) Paramount / York Pictures, 1958. 104 min. Color. VistaVision.

Pr Ej: Hal B. Wallis. G: Frank Tashlin, inspirado en una historia de Preston Sturges. Ft: Haskell Boggs. Mt: Alma Macrorie. DA: Hal Pereira, Tambi Larsen, Sam Comer y Robert Benton. Ms: Walter Scharf. Can: Sammy Cahn y Harry Warren. Cor: Nick Castle. Pr y Dr: Frank Tashlin.

Int: Jerry Lewis, Marilyn Maxwell, Connie Stevens, Reginald Gardiner, Salvatore Baccaloni, Hans Conried, Isobel Elsom, James Gleason, Ida Moore, Judy Franklin, Gary Lewis, Hope Emerson, Alex Gerry.

En esa pequeña ciudad donde todos se conocen, Clayton Poole (Jerry Lewis) es un excelente muchacho con imán para los accidentes

Loa apuros de Clayton tienen indescriptibles derivaciones. Aquí le vemos fingiendo ser un presentador de TV en el interior de un aparato vacío

Sandra (Connie Stevens) está enamorada de Clayton, pero su irascible padre Gigi Naples (Salvatore Baccaloni) no ve con buenos ojos al recalcitrante candidato a yerno

Nuestro atribulado Clayton resiste heroicamente las intentonas de Sandra para llevarlo al huerto

SINOPSIS: Una célebre estrella de Hollywood pretende mantener en secreto su embarazo y el posterior nacimiento de ¡trillizos!. Para preservar su imagen de rubia sexy ante sus millones de admiradores, decide dejar las criaturas a cargo de un ingenuo y servicial muchacho –instalador de antenas de televisión– enamorado de ella desde los días del colegio. A nuestro atribulado héroe le faltarán horas al día para atender a sus nuevas responsabilidades.

Carla (Marilyn Maxwell), la hermana famosa de Sandra, es la estrella de una alegre película ambientada en el antiguo Egipto

Carla tiene un serio problema de imagen (descubre que está embarazada) y Harold (Reginald Gardiner), su agente, deberá buscar una solución para mantener intacta la popularidad de su representada frente a sus millones de fans 

El programado reencuentro de Carla con Clayton, enamorado de ella desde niño, es interpretado por el muchacho de manera equívoca

Clayton descubre el verdadero motivo de la visita de Carla: ha de hacerse cargo de sus trillizos

COMENTARIO: El director que mejor partido sacó a la comicidad de Jerry Lewis, el que más facetas nos descubrió de su personaje, fue sin duda el durante muchos años menospreciado Frank Tashlin. Proveniente del comic y del cartoon, imprimió a sus films un estilo narrativo y una dinámica directamente heredada de los dibujos animados; un universo de colores vivos, superficies esmaltadas y objetos que, por momen­tos, aparecen y se portan como seres vivos, produciendo catástrofes. La película que ahora nos ocupa es una demoledora, desopilante variación sobre “THE MIRACLE OF MORGAN’S CREEK” (1944) de Preston Sturges, y contiene gags memorables, secuencias de complicadísimo diseño, resortes cómicos de enor­me eficacia y un afilado sentido de la sátira a la hora de retratar los “vicios” y manías de la sociedad americana del momento.

En opinión del que suscribe, la película objeto de este comentario y “LÍO EN LOS GRANDES ALMACENES” (Who’s Minding the Store?) rodada en 1963 y de la que nos ocuparemos en otro momento, son los mejores trabajos de Tashlin con Jerry Lewis. Por otra parte, este singular cómico demostró haber asimilado con provecho las lecciones de su maestro dejándolo patente en sus primeras películas como director (“EL TERROR DE LAS CHICAS”, “UN ESPÍA EN HOLLYWOOD” y “EL PROFESOR CHIFLADO”). 

DOS CABALGAN JUNTOS (Two Rode Together)

(USA) Columbia / John Ford / Sheptner, 1960-61. 109 min. Color.

Pr: Stan Sheptner. G: Frank Nugent, basado en la novela “Comanche Captives” de William Cook. Ft: Charles Lawton Jr. Mt: Jack Murray. DA: Robert Peterson. Ms: George Duning. Dr: John Ford.

Int: James Stewart, Richard Widmark, Shirley Jones, Linda Cristal, Andy Devine, John McIntire, Paul Birch, Willis Bouchey, Henry Brandon, Harry Carey Jr., Ken Curtis, Annelle Hayes, Anna Lee, Olive Carey, Ford Rainey, Jeannette Nolan, John Qualen, Woody Strode, Chet Douglas, Cliff Lyons, O.Z. Whitehead, Mae Marsh, Jack Pennick.

El teniente Jim Gary (Richard Widmark) visita a su viejo amigo el sheriff Guthrie McCabe (James Stewart) y parece complacido en fastidiarle su acomodada existencia

El pragmático Mr Wringle (Willis Bouchey) propone a McCabe una remuneradora componenda, antes de partir en busca de los niños raptados por los indios

Jim y Guthrie tienen una distendida conversación sentados frente a una cámara fija que les observa y "escucha", compartiendo con ellos cinco minutos geniales

Jim comparte con la encantadora Marty Purcell (Shirley Jones) un momento dramático, tras el salvaje linchamiento del joven Running Wolf (que resulta ser su hermanito Steve raptado por los comanches)

SINOPSIS: El acomodado sheriff de Tascosa, individuo descreido e indolente, recibe la visita de un teniente del ejército, viejo amigo suyo, con la orden de conducirle ante su superior para encomendarle la misión de recuperar unos niños blancos capturados años atrás por los comanches. En el viaje a territorio indio acompañará al sheriff su amigo el teniente con el que tendrá serias diferencias de criterio debido al escaso entusiasmo con que nuestro hombre ha aceptado ese trabajo.

El temible Quanah Parker (Henry Brandon), jefe de los comanches, negociará con McCabe la devolución de los niños raptados

La mexicana Elena de Madariaga (Linda Cristal), una de las raptadas por los indios y esposa de un jefe comanche rival de Quanah Parker, huirá con McCabe y Gary

Durante el regreso al campamento de los colonos, las diferencias de criterio entre Jim y Guthrie tendrán como colofón un enfrentamiento y su separación

Una vez finalizada la misión, Guthrie, tras hacer las paces con Jim,  regresa a Tascosa para encontrarse con una desagradable sorpresa

COMENTARIO: Desde su estreno en España, hace más de cincuenta años, he visto “DOS CABALGAN JUNTOS” once veces, todas necesarias, todas apasionantes. Ahora, intentaré explicar brevemente a los más antiguos del lugar algunas de las razones por las que este western perteneciente a la madurez fordiana me sigue pareciendo, en buena medida, insólito dentro de la trayectoria de este genial realizador.

Si nos retrotraemos a “CENTAUROS DEL DESIERTO”, con el que “DOS CABALGAN JUNTOS” coincide en algunos elementos argumentales, resulta sorprendente su planteamiento en el que podemos apreciar una inesperada carga de desencantado cinismo, una nueva manera de presentarnos al personaje principal, un héroe poco convencional, de reprochables actitudes, especie de Wyatt Earp excéptico, perezoso y corrupto que, sin embargo, logra caernos simpático merced a la cómplice mirada de Ford sobre él, una complicidad no exenta de pesimismo. De ahí, la ambigua composición con registro de comedia que de ese sheriff McCabe (especie de contratipo de aquel Nathan Edwards) hace James Stewart.

“DOS CABALGAN JUNTOS”, en su libre, serena y desdramatizada narrativa, contiene, no obstante, memo­rables secuencias intencionadamente dinamitadas con brutales cambios de tono. En este sentido, la poco complaciente visión -esta vez- del mundo de los colonos, a los que Ford ya no ve con los ojos de anteriores westerns, da lugar a momentos de suma crueldad (la furia desatada de estos colonos desemboca en el lichamiento del muchacho indio). Por otro lado, la película, en virtud de una “desenvuelta” estructura, nos ofrece algunas afortunadas audacias de puesta en escena (largo plano fijo frontal de Stewart y Widmark charlando sentados al borde del río).

En suma, repuestos de la sorpresa que a los seguidores del cine de Ford nos supuso en su día el visionado de este sarcástico western, comprendimos casi inmediatamente que estábamos ante una de sus grandes obras maestras, pese a que, tal vez por lo expuesto anteriormente, en su estreno no fue muy bien acogido por el público y la crítica.