DOS CABALGAN JUNTOS (Two Rode Together)

(USA) Columbia / John Ford / Sheptner, 1960-61. 109 min. Color.

Pr: Stan Sheptner. G: Frank Nugent, basado en la novela “Comanche Captives” de William Cook. Ft: Charles Lawton Jr. Mt: Jack Murray. DA: Robert Peterson. Ms: George Duning. Dr: John Ford.

Int: James Stewart, Richard Widmark, Shirley Jones, Linda Cristal, Andy Devine, John McIntire, Paul Birch, Willis Bouchey, Henry Brandon, Harry Carey Jr., Ken Curtis, Annelle Hayes, Anna Lee, Olive Carey, Ford Rainey, Jeannette Nolan, John Qualen, Woody Strode, Chet Douglas, Cliff Lyons, O.Z. Whitehead, Mae Marsh, Jack Pennick.

El teniente Jim Gary (Richard Widmark) visita a su viejo amigo el sheriff Guthrie McCabe (James Stewart) y parece complacido en fastidiarle su acomodada existencia

El pragmático Mr Wringle (Willis Bouchey) propone a McCabe una remuneradora componenda, antes de partir en busca de los niños raptados por los indios

Jim y Guthrie tienen una distendida conversación sentados frente a una cámara fija que les observa y "escucha", compartiendo con ellos cinco minutos geniales

Jim comparte con la encantadora Marty Purcell (Shirley Jones) un momento dramático, tras el salvaje linchamiento del joven Running Wolf (que resulta ser su hermanito Steve raptado por los comanches)

SINOPSIS: El acomodado sheriff de Tascosa, individuo descreido e indolente, recibe la visita de un teniente del ejército, viejo amigo suyo, con la orden de conducirle ante su superior para encomendarle la misión de recuperar unos niños blancos capturados años atrás por los comanches. En el viaje a territorio indio acompañará al sheriff su amigo el teniente con el que tendrá serias diferencias de criterio debido al escaso entusiasmo con que nuestro hombre ha aceptado ese trabajo.

El temible Quanah Parker (Henry Brandon), jefe de los comanches, negociará con McCabe la devolución de los niños raptados

La mexicana Elena de Madariaga (Linda Cristal), una de las raptadas por los indios y esposa de un jefe comanche rival de Quanah Parker, huirá con McCabe y Gary

Durante el regreso al campamento de los colonos, las diferencias de criterio entre Jim y Guthrie tendrán como colofón un enfrentamiento y su separación

Una vez finalizada la misión, Guthrie, tras hacer las paces con Jim,  regresa a Tascosa para encontrarse con una desagradable sorpresa

COMENTARIO: Desde su estreno en España, hace más de cincuenta años, he visto “DOS CABALGAN JUNTOS” once veces, todas necesarias, todas apasionantes. Ahora, intentaré explicar brevemente a los más antiguos del lugar algunas de las razones por las que este western perteneciente a la madurez fordiana me sigue pareciendo, en buena medida, insólito dentro de la trayectoria de este genial realizador.

Si nos retrotraemos a “CENTAUROS DEL DESIERTO”, con el que “DOS CABALGAN JUNTOS” coincide en algunos elementos argumentales, resulta sorprendente su planteamiento en el que podemos apreciar una inesperada carga de desencantado cinismo, una nueva manera de presentarnos al personaje principal, un héroe poco convencional, de reprochables actitudes, especie de Wyatt Earp excéptico, perezoso y corrupto que, sin embargo, logra caernos simpático merced a la cómplice mirada de Ford sobre él, una complicidad no exenta de pesimismo. De ahí, la ambigua composición con registro de comedia que de ese sheriff McCabe (especie de contratipo de aquel Nathan Edwards) hace James Stewart.

“DOS CABALGAN JUNTOS”, en su libre, serena y desdramatizada narrativa, contiene, no obstante, memo­rables secuencias intencionadamente dinamitadas con brutales cambios de tono. En este sentido, la poco complaciente visión -esta vez- del mundo de los colonos, a los que Ford ya no ve con los ojos de anteriores westerns, da lugar a momentos de suma crueldad (la furia desatada de estos colonos desemboca en el lichamiento del muchacho indio). Por otro lado, la película, en virtud de una “desenvuelta” estructura, nos ofrece algunas afortunadas audacias de puesta en escena (largo plano fijo frontal de Stewart y Widmark charlando sentados al borde del río).

En suma, repuestos de la sorpresa que a los seguidores del cine de Ford nos supuso en su día el visionado de este sarcástico western, comprendimos casi inmediatamente que estábamos ante una de sus grandes obras maestras, pese a que, tal vez por lo expuesto anteriormente, en su estreno no fue muy bien acogido por el público y la crítica.

LA NOVIA DE ACERO (The Iron Mistress)

(USA) Warner Bros, 1952. 109 min. Color.

Pr: Henry Blanke. G: James R. Webb, basado en la novela de Paul I. Wellman. Ft: John Seitz. Mt: Alan Crosland Jr. DA: John Beckman. Ms: Max Steiner. Dr: Gordon Douglas.

Int: Alan Ladd, Virginia Mayo, Joseph Calleia, Phyllis Kirk, Alf Kjellin, Douglas Dick, Anthony Caruso, Ned Young, George Voskovec, Richard Carlyle, Robert Emhardt, Don Beddoe, Harold Gordon, Jay Novello, Nick Dennis, Sarah Selby.

Jim Bowie (Alan Ladd), tras abandonar su vida asilvestrada y su hogar en Louisiana, entrará en contacto con la refinada sociedad de Nueva Orleans

La seductora, voraz y desaprensiva Judalon de Bornay (Virginia Mayo) complicará la vida de Jim de forma dramática

SINOPSIS: Surgido de los pantanos de Louisiana, un joven que el tiempo convertiría en el legendario James Bowie, experto en el manejo del cuchillo, abandona su casa y su familia en 1825 y viaja a Nueva Orleans donde conoce a una seductora mujer de alta alcurnia por la que se verá envuelto en duelos e intrigas que le labrarán una fama que le acompañará allí donde vaya. 

Sin desearlo, Jim Bowie se verá envuelto en duelos, empujado por las circunstancias y por Judalon

El destino hace que en la vida de Jim se cruce una mujer, Ursula de Varamendi (Phyllis Kirk), que representa todo lo contrario de Judalon

COMENTARIO: Esta vez ni puedo ni deseo disfrazarlo: lo que vas a leer en este primer párrafo es sólo el resultado de una mirada atrás, un arrebato de nostalgia por un cine lejano, imágenes de mi niñez perdiéndose en las brumas del tiempo. Ahora, con dos tercios del camino recorrido, la televisión y el DVD ofician para nuestra generación como exhumadores de los restos de aquellas películas a las que un día (sábados o domingos) nos asomábamos con los ojos y la mente bien abiertos, con la emoción acelerando nuestros jóvenes corazones, sentados en las butacas sin tapizar de una sala de programa doble, ay! ventanas rectangulares por las que nos escapábamos durante unas horas con la ayuda de Peter Pan y los polvos mágicos de Campanilla. El lunes, de vuelta al colegio (en mi caso, de frailes).

Bien, que me salgo del tema, hablemos un poco de “LA NOVIA DE ACERO”: película de acción basada en las primeras andanzas del famoso aventurero que acabaría sus días en 1836, defendiendo El Alamo junto a otros héroes míticos del “santoral” americano como Davy Crockett y el coronel Travis. El sentido del ritmo que solía distinguir los productos Warner de la época y la efectiva sequedad narrativa de Gordon Douglas dieron como resultado una apreciable muestra de ese cine de imágenes perfecta­mente calibradas, precisas y certeras que han definído una concepción de la puesta en escena que convertía la funcionalidad narrativa en el principal acicate para que estos “artesanos” idearan y perfecciona­ran fórmulas expresivas de incuestionable eficacia dramática. Como primer ejemplo de lo expuesto citemos los seis primeros minutos de proyección, en los que queda perfectamente dibujado el personaje de Jim Bowie (Ladd). Otro ejemplo -hay muchos- lo constituye la magistral resolución visual de la secuencia cargada de tensión en que Jim se bate en duelo nocturno a cuchillo con su antagonista, sumidos ambos en la total oscuridad de una habitación vacía fugazmente iluminada por el resplandor de los relámpagos de una tormenta.

Me gusta ese estupendo repar­to con un adecuado y sobrio Alan Ladd ( que ese mismo año rodaría "RAÍCES PROFUNDAS") y una devoradora Virginia Mayo (su última escena con Ladd resulta imborrable: “Ninguna mujer vale la vida de ocho hombres”), sin olvidarnos de esos potentes secundarios, Joseph Calleia y Anthony Caruso que con sus composiciones enriquecen la película.

LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR

(Esp) Alicia Produce / Bailando en la Luna / Sogetel / Canal+, 1998. 112 min. Color. Panavision.

Pr: Fernando Bovaira y Enrique López. Pr Ej: Txandi Llorente y Fernando de Garcillán. Ft: Kalo Berridi. Mt: Iván Aledo. DA: Satur Idarreta, Itziar Arrieta y Karmele Soler. Vest: Estíbaliz Markiegi. Son: Iván Marín. Ms: Alberto Iglesias. G y Dr: Julio Medem.

Int: Najwa Nimri, Fele Martínez, Nancho Novo, Maru Valdivielso, Peru Medem, Sara Valiente, Víctor Hugo Oliveira, Kristel Díaz, Pep Munné, Jaroslaw Bielski, Rosa Morales, Joost Siedhoff, Beate Jensen, María Isasi.

Álvaro (Nancho Novo), padre de Otto, y Olga (Maru Valdivielso), madre de Ana, parecen entenderse

Fele Martínez es Otto en la edad adulta

Najwa Nimri es Ana en la edad adulta

SINOPSIS: La apasionada y clandestina historia de amor, llena de casualidades y desen­cuentros, de Ana y Otto, dos niños que se sienten atraídos a los ocho años, cuando un día salen del colegio y el azar y un balón los une, hasta cumplir los veinticinco, cuando se reúnen al borde del Círculo Polar Ártico en una noche de verano en la que no se pone el sol.

Otto y Ana, separados por el destino (?) llegan a estar muy próximos sin saberlo

En la mirada detenida y congelada de Ana, se refleja la imagen de su enamorado Otto

COMENTARIO: Julio Medem, uno de los cineastas más personales del panorama actual (y más polémicos a raíz de la discutible calidad de sus últimas realizaciones), aborda aquí lo que podríamos considerar un melodrama romántico, exacerbadamente romántico, pero lo hace sin respetar las reglas que definen este género. Su fascinante puesta en escena –que hace alternar en la narración los puntos de vista complementarios de Otto y Ana– exhibe un milimetrado diseño de geométrica perfección y, como era de esperar en el autor de “VACAS”, una enorme riqueza de sugerencias visuales (el vuelo de la mosca anunciadora de tragedia en casa de la madre de Otto, el humo del cigarro de Otto aspirado por Ana que ignora su proximidad en la terraza de la Plaza Mayor). 

En “LOS AMANTES DEL CÍRCULO POLAR”, poema de blancos y azules (con traumá­ticas intromisiones del rojo de los autobuses), la mirada del realizador sobre los personajes parece gélida, calculadora, como la de un entomólogo o la de un demiurgo que se permite someter a sus criaturas a un juego en el que primero las junta para luego hacerlas describir sucesivos círculos en cuyas trayectorias se rozan sin encontrarse. Hasta ese desenlace noqueante y poético (casi diría que musical) en que se completa el último círculo... en el Círculo Polar Artico. 

Para finalizar, encuentro justo destacar la excelencia de todos los intérpretes, con una mención especial a Maru Valdivielso, gran actriz y mujer de gatuna y extraña belleza, delictivamente ignorada por el cine español.

LA CHISPA DE LA VIDA

(Esp)  Double Nickel Entertainment / Trivision, 2012. 98 min. Color. Panavision.

Pr: Andrés Vicente Gómez y Ximo Pérez. Pr Ej: Randy Feldman, Adam Richman, Jenette Kahn y Geraldine Polveroni. G: Randy Feldman y Álex de la Iglesia (no acreditado). Ft: Kiko de la Rica. Mt: Pablo Blanco. DA: José Luis Arrizabalaga "Arri" y Arturo García "Biaffra". Ms: Joan Valent. Dr: Álex de la Iglesia.

Int: José Mota, Salma Hayek, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Carolina Bang, Juanjo Puigcorbé, Santiago Segura, Antonio de la Torre, Antonio Garrido, Joaquín Climent, Eduardo Casanova, Nerea Camacho, José Manuel Cervino.

Luisa (Salma Hayek hace lo posible por restituir la autoestima a su marido que ha perdido el trabajo

Roberto (José Mota) cae sobre las obras del anfiteatro romano y su cabeza queda ensartada en una barra de hierro

SINOPSIS: El antaño inventor del slogan "la chispa de la vida" para Coca-Cola, es hoy un publicista en paro que busca desesperadamente reintegrarse a la vida laboral recurriendo a sus antiguos compañeros, pero nada consigue. En este trance y en un arranque sentimental, viaja a Cartagena buscando el hotelito donde él y su mujer pasaron la luna de miel, pero el edificio ha sido derruido para facilitar unas excavaciones arqueológicas sobre un anfiteatro romano que el alcalde se dispone a inaugurar en esos momentos. Allí, en el tumulto de la inauguración, nuestro hombre sufre una absurda caída clavándose una barra de hierro en la cabeza que le deja en peligro de muerte si se le trata de mover. Pronto, en torno a este accidente se montará todo un circo mediático del que, sorprendentemente, será el accidentado quien se adelante a los medios decidiendo sacar ganancia económica al asunto.

Johnny (Fernando Tejero) será el encargado de "negociar" la cantidad de dinero a percibir por la exclusiva de una entrevista con el accidentado para una cadena de televisión

Las cosas empiezan a ponerse realmente feas para un Roberto entre la vida y la muerte

COMENTARIO: Confieso mi entusiasmo por el cine de De la Iglesia desde que descubrí su primer largometraje “ACCIÓN MUTANTE”, un brillante y espectacular ejercicio paródico apoyado (inspirado) en un montón de referencias cinéfilas y del comic. La burla mordaz, el humor negro, el gore, se utilizaban y combinaban en aquella película con aparente habilidad aunque sin mucho sentido de la dosis, dando la sensación de un cierto descontrol sobre los elementos manejados, lo que llegaba a descompensar e incluso a embrutecer el producto.

Desde entonces, en los sucesivos trabajos de este director hemos venido observando, incluso en los más redondos (“EL DÍA DE LA BESTIA”, “PERDITA DURANGO”, “LA COMUNIDAD”), en mayor o menor medida, esa incapacidad para saber “equilibrar” el resultado final. Y no estamos hablando de desmesura que en ocasiones puede resultar apasionante (“BALADA TRISTE DE TROMPETA”). Es ese hervor, ese tiempo exacto de cocción, que le falta a muchas de sus películas para convertirlas en obras maestras.

Ahora, entrando ya en la que nos ocupa, tras un primer visionado, queda claro que el guión resulta tosco, poco trabajado, escasamente original en cualquier caso. Uno se pregunta qué pinta como guionista ese Randy Feldman con unos precedentes tan poco estimulantes como haber sido el autor de los guiones de la abominable “TANGO Y CASH” (al servicio de Stallone) y la olvidable “EL NEGOCIADOR” (al servicio de Eddie Murphy). Ignoro de quién partió la idea y cuáles fueron los motivos para contratar los servicios de este señor. Lo cierto es que el resultado es un deshilvanado guión burdamente “inspirado” en el que Billy Wilder escribió para su “EL GRAN CARNAVAL” (Ace in the Hole) al que De la Iglesia sin duda ha dado unos cuantos retoques para “hispanizarlo” hasta el punto de asemejarlo (y esto es lo peor) a lo que habría hecho un Berlanga, pero no el de los buenos tiempos, sino el de “MOROS Y CRISTIANOS” o “TODOS A LA CARCEL”. En fin, tanto la puesta en escena, irregular, precipitada, como el dibujo de personajes ejecutado con la brocha gorda de una caricatura sin aguijón, resultan lastimosos y frustrantes en “LA CHISPA DE LA VIDA”, incluyendo ese clamoroso miscasting con un lamentable José Mota destruyendo cualquier atisbo de temperatura y verosimilitud en su trágico personaje (al que se enfrenta como si se tratase de un episodio más de su show televisivo) y una inadecuada Salma Hayek, claro vasallaje para poder vender la película.

Y termino con una curiosidad: ¿cuál es la distancia en kilómetros que separa Madrid de Cartagena? En la película tenemos la sensación de que no pueden ser más de treinta a juzgar por la celeridad con que se presentan la esposa y el hijo del protagonista en el escenario del accidente.

MI DESCONFIADA ESPOSA (Designing Woman)

(USA) MGM, 1957. 118 min. Color. CinemaScope.

Pr: Dore Schary. G: George Wells, sugerido por una idea de Helen Rose. Ft: John Alton. Mt: Adrienne Fazan. Cor: Jack Cole. DA: William A. Horning y Preston Ames. Vest: Helen Rose. Ms: André Previn. Dr: Vincente Minnelli.

Int: Gregory Peck. Lauren Bacall, Dolores Gray, Sam levene, Tom Helmore, Mickey Shaughnessy, Jack Cole, Jesse White, Chuck Connors, Edward Platt, Alvy Moore, Don Burnett, Dean Jones, Richard deacon, Max Showalter.

La sofisticada Marilla reflexiona sobre la pertinencia de su impulsivo matrimonio con Mike

Pertenecen a mundos irreconciliables y los desajustes en esa pareja no se hacen esperar

SINOPSIS: Durante una juerga entre colegas, un cronista deportivo conoce a una diseñadora de modas y, mutuamente atraídos, se casan. Pronto serán notorias las diferencias entre los mundos de ambos, chocando con estrépito entre una serie de enredos complementarios propiciados por una temperamental ex novia y unos gangsters.

La despechada Lori Shannon (magnífica Dolores Gray) esconde aviesas intenciones para con su ex novio

Maxie Stultz (antológico Mickey Shaughnessy) es un boxeador sonado dispuesto a defender ciegamente a su amigo Mike de los "hombres que le miran mal"

COMENTARIO: El inicio de “MI DESCONFIADA ESPOSA” (que tomado ahora hubiera dado lugar a una burda comedia del tipo “RESACÓN EN LAS VEGAS”) y que propicia esa beligerante trama en torno al “reajuste conyugal” de Mike y Marilla, podría recor­darnos esas comedias “matrimoniales” que bordaba George Cukor (sin ir más lejos, “LA COSTILLA DE ADÁN”). Pero no, ésta es de Minnelli, muy de Minnelli. Brillante, incisiva y desopilante, estamos sin duda alguna ante una de las mejores comedias de este elegante e inspirado director (muy poco valorado hasta que los chicos del “Cahiers” francés lo “descubrieron” en los años cincuenta), en la que no faltan hallazgos antológicos como, por ejemplo, la solución acústico-visual dada a la resaca de Gregory Peck, el inefable personaje del boxeador sonado que incorpora Mickey Shaughnessy o el improvisado momento musical surgido de la pelea final en el callejón, en la que uno de los contendientes (Jack Cole) es coreó­grafo y coherentemente opta por resolverla a ritmo de ballet. La felina y magnética Lauren Bacall está espléndida en un papel en principio destinado a Grace Kelly que prefirió desertar en pos de un regio destino en Mónaco. 

NOTA: como dato a reseñar, durante el rodaje la Bacall estaba pasando por momentos amargos con su esposo Humphrey Bogart agonizante a causa de un cáncer de esófago.

MUJERES EN VENECIA (The Honey Pot)

(USA) United Artists / Famous Artists, 1966. 150 min. Color.

Pr: Joseph L. Mankiewicz y Charles K. Feldman. G: Joseph L. Mankiewicz, basado en la obra de Frederick Knott y la novela de Thomas Sterling, inspiradas en la obra "Volpone" de Ben Johnson. Ft: Gianni di Venanzo. Mt: David Bretherton. DP: John de Cuir. Vest: Rolf Gérard. Ms: John Addison. Dr: Joseph L. Mankiewicz.

Int: Rex Harrison, Susan Hayward, Cliff Robertson, Maggie Smith, Capucine, Edie Adams, Adolfo Celi, Hugh Manning, David Dodimead. En escenas eliminadas: Herschel Bernardi, Cy Grant, Frank Latimore, Massimo Serato.

El "moribundo" Cecil Fox (Rex Harrison) lanza una expresiva mirada a su secretario para que actúe rápido y le saque del apuro

Un actor en paro, obligado por las circunstancias a hacer de secretario para un millonario con plan oculto

SINOPSIS: El millonario Cecil Fox, secretamente arruinado, llama hasta su palacio veneciano a las tres mujeres que jalonaron su vida sentimental y pone en práctica un juego teatral con la ayuda de un actor en paro que habrá de hacerse pasar por su secretario. Fingiendo ante ellas estar moribundo, las engatusa con la idea de que a su muerte heredarán algo de su supuesta fortuna. Sin embargo, la “representa­ción” sufre un giro insospechado cuando una de ellas muere mientras dormía.

La ex esposa favorita de Cecil: Mrs. "Lone Star" Crokett Sheridan (una extraordinaria Susan Hayward)

La altiva y estatuaria princesa Dominique (la impar Capucine) trata de ocultar su desesperada situación

COMENTARIO: Comedia sofisticada, de regia elegancia formal, pero, sobre todo, inteligente (éste es el adjetivo que mejor le cuadra a Mankiewicz) en la que el autor de “EVA AL DESNUDO” volvía a utilizar el personaje central (aquí, Cecil Fox), como un alter ego suyo, a través del cual nos comunica su postura. Un cierto predominio intelectual sobre los demás y un par de ases en la manga, le permiten a Fox urdir una trama, un juego que esconde una intencionalidad, y mover los hilos de la representación con la sutileza y precisión de un demiurgo. Claro, que un personaje no previsto en el “guión” (la enfermera Watkins), o el azar en otras ocasiones, vienen a desbaratar el plan tan meticulosamente diseñado. Los destinatarios de esta “puesta en escena” tramada por el personaje en el film son sus tres codiciosas amantes; los de Mankiewicz tras la cámara, nosotros los espectadores, que asistimos a una apasionante exhibición de talento (¡qué brillantes diálogos!). Lástima que personajes reales (productores a los que siempre les horroriza el riesgo) chafaran en su día el primitivo diseño que Mankiewicz tenía para esta película, más audaz y complicado que lo que ha quedado en la pantalla. Nunca sabremos si nos hubiera gustado más. Difícil, ciertamente. 

No deseo terminar sin destacar también lo que una formidable dirección de intérpretes consiguió extraer del siempre sutil Rex Harrison en su cuarto trabajo con este director: una memorable actuación.

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

(Esp) Lazona /Telecinco Cinema / Manto Films, 2011. 118 min. Color. Panavision.

Pr: Álvaro Augustin y Gonzalo Salazar-Simpson. Pr Ej: Javier Ugarte y Gonzalo Salazar-Simpson. G: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide. Ft: Unax Mendía. Mt: Pablo Blanco. DA: Antón Laguna. Son: Licio Marcos de Oliveira. Ms: Mario de Benito. Dr: Enrique Urbizu.

Int: José Coronado, Rodolfo Sancho, Helena Miquel, Juanjo Artero, Pedro María Sánchez, Nadia Casado, Younes Bachir, Karim El Kerem, Abdel Ali El Aziz, Nasser Saleh, Juan Pablo Schuck, Eduard Farelo.

Rodolfo y Santos, compañeros de trabajo... a veces

SINOPSIS: En Madrid, una noche cualquiera, el inspector de policía Santos Trinidad, borracho y tambaleante, se ve involucrado en un triple asesinato. Pero hay un testigo que consigue escapar... y podría incriminarle. Entonces inicia la caza de ese hombre, intentando localizarle y eliminarle. Mientras tanto, la jueza Chacón, encargada de la investigación del triple crimen, avanza en su trabajo. Lo que parece un simple caso de tráfico de drogas, desembocará en algo mucho más peligroso.

Nuestro hombre, una verdadera alimaña, iniciará una personal cacería

Santos Trinidad, en su descenso a los infiernos

COMENTARIO: Tras insistir hasta tres veces en un género, la comedia, para el que no parecía estar especialmente dotado, Enrique Urbizu decidió dar un brusco volantazo, enfilando una ruta que iría jalonando con obras tan importantes como “LA CAJA 507” y “LA VIDA MANCHA”, que le ha llevado, de momento, hasta “NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS”. Ya desde aquel demoledor boceto de trazos gruesos titulado “TODO POR LA PASTA” quedaba prefigurada la futura trayectoria de Urbizu. Si “LA CAJA 507” era un thriller conciso y seco que abordaba con una buena dosis de audacia y contundencia una temática espinosa como era en aquellos momentos la sangrante realidad nacional de la especulación y corrupción en los negocios inmobiliarios, la película que ahora nos ocupa, conectando con aquella pero yendo más allá, nos sumerge en las oscuras e infectadas aguas que discurren bajo la superficie brillante y esmaltada de un mundo de vulnerables cimientos que a duras penas sostienen el entramado de una ilusoria seguridad. Tras el fulgor de ese espejismo cotidiano, al otro lado de nuestro insonorizado “saloncito occidental”, existe una siniestra realidad habitada por seres de los que voluntariamente ignoramos todo. Pueden ser desechos humanos, alcohólicos y peligrosos, camino del infierno mientras pululan por garitos periféricos como ese Santos Trinidad que terminará su cacería personal, casi como una ironía bíblica, “salvando” de manera involuntaria un ignorado desenlace aterrador; o terroristas islámicos instalando (letales) extintores en centros comerciales, o esos impólutos componentes de instituciones judiciales  incapaces de “detectar” las fisuras del sistema por cuyos intersticios se cuela el caos.
En suma, estamos ante una potente y redonda película de género, cuyas reglas, guionista y realizador, no han dudado en subvertir en aras de las lógicas exigencias que dicta la actual coyuntura. En cualquier caso, un noqueante thriller y una lección de cine-cine (sin exhibiciones ni alardes estilísticos a lo Martin Scorsese) con una cámara exacta e incisiva al servicio de una historia con sesgos muy, muy inquietantes. Y conviene observar el diferente estilo de planificación utilizado por Urbizu, tenebrista y zozobrante cuando sigue las andanzas del policía Santos, o equilibrado e impecable cuando nos muestra a la racional y meticulosa jueza Chacón y sus colaboradores judiciales recavando información.
En fin, ante trabajos como éste, es lícito pensar que el cine americano no posee el patrimonio del neonoir y que quienes lo practican actualmente en Hollywood tendrían mucho que aprender de este realizador vasco ya que, por lo que parece, no supieron extraer lecciones de tipos como el Robert Lewis de "AGENTE ESPECIAL" (The Big Combo), el Robert Aldrich de "EL BESO MORTAL" (Kiss Me Deadly), o Fuller y Siegel, entre otros expeditivos cultivadores. No podemos terminar sin destacar la escalofriante composición, exenta de psicologismos, de un José Coronado dirigido con sabiduría (como el resto del reparto).

MELODÍAS DE BROADWAY 1955 (The Band Wagon)

(USA) MGM, 1953. 112 min. Color.

Pr: Arthur Freed y Roger Edens. G: Betty Comden y Adolph Green. Ft: Harry Jackson Mt: Albert Akst. DA: Cedric Gibbons y Preston Ames. Ms: Arthur Schwartz. Can: varios. Dr Ms: Adolph Deutsch. Cor: Michael Kidd. Vest: Mary Ann Nyberg. Dr: Vincente Minnelli.

Int: Fred Astaire, Cyd Charisse, Oscar Levant, Jack Buchanan, Nanette Fabray, James Mitchell, Robert Gist, Douglas Fowley, Leroy Daniels, Julie Newmar. Cameo: Ava Gardner.

Alegría, ritmo y color en la feria

Jamás el cine musical brilló tanto en la oscuridad de una noche mágica en el parque

SINOPSIS: Tony Hunter, un bailarín que teme haber perdido su popularidad tras un prolongado periodo de tiempo sin trabajar en el cine, es llamado por un prestigioso y excéntrico director de Broadway para que forme parte de su enloquecido proyecto de montar en Broadway un musical serio basado en Fausto. Allí reencuentra a sus viejos amigos Lester y Lily, también reclutados para este asunto, y es presentado a Gaby, su compañera en la obra, una atractiva bailarina de ballet clásico con la que al principio no congenia. Previsiblemente, el estreno resulta un fracaso. Sin ceder al desánimo y para salvar la inversión, los miembros del equipo deciden reconvertir el espectáculo en algo menos “artístico” y más alegre.

Las piernas de Cyd y las de Fred, sus cuerpos, en un musical de Minnelli ¿se puede pedir más? Sinceramente, creo que no.

COMENTARIO: Indudablemente, se trata del mejor musical rodado por Vincente Minnelli; tan perfecto y fascinante, tan inventivo y dinámico como el que hicieran un año antes Donen y Kelly, “CANTANDO BAJO LA LLUVIA”, del que, en cierto modo, heredó la estructura dramática y la esencia de su argumento (dejarse de ampulosas ambiciones “artísticas”, desembarazarse de prejuicios y dar al público lo que le gusta con la mayor dosis posible de talento) y algunas de las características que animan a los personajes (compañerismo, amistad, amor, contagiosa alegría de vivir y por lo tanto, capacidad para pasar al otro lado del espejo –y nosotros con ellos– transformando lo cotidiano en algo mágico). La ilusión se completa con una cámara integrada y participante (así, la sensación de emplazamiento y escenario viene a desaparecer) en un estilizado mundo de luz, color, ritmo, adorables personajes y problemas con solución. La película contiene –entre otros muchos– tres momentos de indescriptible musicalidad que son al mismo tiempo la esencia del cine-cine y para los que las palabras no valen, hay que verlos y sentirlos: cuando Fred Astaire, recién llegado a Broadway, penetra en un local de diversión con máquinas tragamonedas y un orondo limpiabotas de color comienza a lustrar sus zapatos (“A Shine on Your Shoes”), o cuando Astaire y la electrizante Cyd Charisse, pasean de noche por Central Park e inician un embelesante baile (“Dancing in the Dark”), y en tercer lugar, el más famoso de todos, el ballet final, de audaz coreografía, homenajeando el mundo de las novelas pulp de Mickey Spillane y el género negro en general (“Girl Hunt Ballet”).

LA VIDA MANCHA

(Esp) Tornasol Films / Iberrota Films, 2002. 107 min. Color.

Pr: Gerardo Herrero y Fernando Victoria de Lecea. G: Michel Gaztambide. Ft: Carles Gusi. Mt: Pablo Blanco. DA: Carlos Bodelón. Vest: Patricia Monne. Son: Licio Marcos de Olivera y Nacho Royo. Ms: Mario de Benito. Dr: Enrique Urbizu.

Int: José Coronado, Zay Nuba, Juan Sanz, Sandro Polo, Yohana Cobo, Silvia Espigado, May Pascual, Alfonso Torregrosa, Enrique Martínez, Susi Sánchez, Cesáreo Estébanez.

Ese extraño llegado de ninguna parte, cambiará la vida de una familia

SINOPSIS: Tras años de ausencia, un hombre vuelve para pasar unos días con su hermano. Éste se ha casado, tiene un niño y se gana la vida con su camión, pero el vicio del juego le impide disfrutar de lo que tiene porque todo lo que gana se lo juega. La visita de ese personaje remoto, aparen temente corta y banal, va a cambiar sus vidas dejándoles una mancha indeleble en el corazón.

Mientras ella mira a su pequeño hijo, él observa a esa inaccesible mujer que representa el amor y la estabilidad que nunca tendrá.

COMENTARIO: Tras la muy interesante “LA CAJA 507”, Enrique Urbizu dió con “LA VIDA MANCHA” otra prueba de su espléndida madurez como realizador. Estamos ante una película que nos habla sobre el control de las emociones y los sentimientos, de cómo surgen dentro de nosotros, de esa pugna que se establece entre lo que debemos hacer y lo que deseamos hacer y de cómo bajo determinadas circunstancias debemos elegir. El realizador recurre a un minimalismo narrativo de elipsis y silencios, de miradas en las que podemos “leer” o intuir todo lo que el film elude en su narración, todo lo que los personajes ocultan. Imágenes densas, expresivas, cargadas de emoción, merced a una puesta en escena perfectamente medida y que incluye una portentosa dirección de actores. José Coronado está impresionante. Una curiosidad: a poco que cotejemos argumento y personajes ¿podría considerarse “LA VIDA MANCHA” como un remake no confeso de “RAÍCES PROFUNDAS”?

PRESENTACIÓN

Un libro de las características de “MOVIE MOVIE-GUIA DE PELICULAS” es como un organismo vivo, suscep-tible de evolución, de crecimiento, de puesta al día. De mejora, en definitiva. Por ello, en esta cuarta edición es apreciable un notable salto adelante que viene a reafirmar su vocación de convertirse en la más completa y fiable guía de películas escrita en lengua castellana, un cómodo y excelente banco de información al servicio de todo apasionado por el cine o curioso de las películas.

Durante el periodo transcurrido entre la anterior edición de “MOVIE MOVIE” y la que ahora se presenta, Teo Calderón, gran estudioso del cine y probable-mente el único cinéfilo al que le ha picado una abeja muerta, apoyado como en anteriores ocasiones por un equipo de solventes colaboradores, ha realizado un concienzudo trabajo definido por el rigor, la entrega y un espíritu crítico ejercido desde el inextinguible amor que profesa al cine. Una vez más, las amenas páginas de “MOVIE MOVIE-GUÍA DE PELÍCULAS” demuestran que pueden conjugarse agudeza y pasión.

El resultado se traduce en unas 11.000 entradas con toda la información necesa-ria, todos los datos y comentarios; en suma, todo aquello que proporcione al lector ávido de información los elementos de juicio indis-pensables para saborear y valorar con pleno conoci-miento cualquier película por la que en determinado momento pueda estar interesado.

Esta cuarta edición de “MOVIE MOVIE” que nos ocupa, cuenta asimismo con una más amplia y atractiva sección de fotografías comentadas, además del abrumador número de las que jalonan las 1.320 páginas del libro, todas ellas (eso es perceptible) amorosamente elegidas.

Estamos, pues, ante un ameno libro de consulta cuyo uso resulta imprescindible para todos aquellos que deseen acercarse al cine, a las películas, como a la más completa, emocionante y enriquecedora manifestación artística nacida en las postrimerías del siglo XIX y más viva que nunca en este convulso XXI en el que nos estamos adentrando. En cualquier caso, sumergirse en sus páginas es un instructivo placer.


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