28 de enero de 2012

LA CHISPA DE LA VIDA
(Esp)  Double Nickel Entertainment / Trivision, 2012. 98 min. Color. Panavision.
Pr: Andrés Vicente Gómez y Ximo Pérez. Pr Ej: Randy Feldman, Adam Richman, Jenette Kahn y Geraldine Polveroni. G: Randy Feldman y Álex de la Iglesia (no acreditado). Ft: Kiko de la Rica. Mt: Pablo Blanco. DA: José Luis Arrizabalaga "Arri" y Arturo García "Biaffra". Ms: Joan Valent. Dr: Álex de la Iglesia.
Int: José Mota, Salma Hayek, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Carolina Bang, Juanjo Puigcorbé, Santiago Segura, Antonio de la Torre, Antonio Garrido, Joaquín Climent, Eduardo Casanova, Nerea Camacho, José Manuel Cervino.
Luisa (Salma Hayek hace lo posible por restituir la autoestima a su marido que ha perdido el trabajo
Roberto (José Mota) cae sobre las obras del anfiteatro romano y su cabeza queda ensartada en una barra de hierro
SINOPSIS: El antaño inventor del slogan "la chispa de la vida" para Coca-Cola, es hoy un publicista en paro que busca desesperadamente reintegrarse a la vida laboral recurriendo a sus antiguos compañeros, pero nada consigue. En este trance y en un arranque sentimental, viaja a Cartagena buscando el hotelito donde él y su mujer pasaron la luna de miel, pero el edificio ha sido derruido para facilitar unas excavaciones arqueológicas sobre un anfiteatro romano que el alcalde se dispone a inaugurar en esos momentos. Allí, en el tumulto de la inauguración, nuestro hombre sufre una absurda caída clavándose una barra de hierro en la cabeza que le deja en peligro de muerte si se le trata de mover. Pronto, en torno a este accidente se montará todo un circo mediático del que, sorprendentemente, será el accidentado quien se adelante a los medios decidiendo sacar ganancia económica al asunto.
Johnny (Fernando Tejero) será el encargado de "negociar" la cantidad de dinero a percibir por la exclusiva de una entrevista con el accidentado para una cadena de televisión
Las cosas empiezan a ponerse realmente feas para un Roberto entre la vida y la muerte
COMENTARIO: Confieso mi entusiasmo por el cine de De la Iglesia desde que descubrí su primer largometraje “ACCIÓN MUTANTE”, un brillante y espectacular ejercicio paródico apoyado (inspirado) en un montón de referencias cinéfilas y del comic. La burla mordaz, el humor negro, el gore, se utilizaban y combinaban en aquella película con aparente habilidad aunque sin mucho sentido de la dosis, dando la sensación de un cierto descontrol sobre los elementos manejados, lo que llegaba a descompensar e incluso a embrutecer el producto.
Desde entonces, en los sucesivos trabajos de este director hemos venido observando, incluso en los más redondos (“EL DÍA DE LA BESTIA”, “PERDITA DURANGO”, “LA COMUNIDAD”), en mayor o menor medida, esa incapacidad para saber “equilibrar” el resultado final. Y no estamos hablando de desmesura que en ocasiones puede resultar apasionante (“BALADA TRISTE DE TROMPETA”). Es ese hervor, ese tiempo exacto de cocción, que le falta a muchas de sus películas para convertirlas en obras maestras.
Ahora, entrando ya en la que nos ocupa, tras un primer visionado, queda claro que el guión resulta tosco, poco trabajado, escasamente original en cualquier caso. Uno se pregunta qué pinta como guionista ese Randy Feldman con unos precedentes tan poco estimulantes como haber sido el autor de los guiones de la abominable “TANGO Y CASH” (al servicio de Stallone) y la olvidable “EL NEGOCIADOR” (al servicio de Eddie Murphy). Ignoro de quién partió la idea y cuáles fueron los motivos para contratar los servicios de este señor. Lo cierto es que el resultado es un deshilvanado guión burdamente “inspirado” en el que Billy Wilder escribió para su “EL GRAN CARNAVAL” (Ace in the Hole) al que De la Iglesia sin duda ha dado unos cuantos retoques para “hispanizarlo” hasta el punto de asemejarlo (y esto es lo peor) a lo que habría hecho un Berlanga, pero no el de los buenos tiempos, sino el de “MOROS Y CRISTIANOS” o “TODOS A LA CARCEL”. En fin, tanto la puesta en escena, irregular, precipitada, como el dibujo de personajes ejecutado con la brocha gorda de una caricatura sin aguijón, resultan lastimosos y frustrantes en “LA CHISPA DE LA VIDA”, incluyendo ese clamoroso miscasting con un lamentable José Mota destruyendo cualquier atisbo de temperatura y verosimilitud en su trágico personaje (al que se enfrenta como si se tratase de un episodio más de su show televisivo) y una inadecuada Salma Hayek, claro vasallaje para poder vender la película.
Y termino con una curiosidad: ¿cuál es la distancia en kilómetros que separa Madrid de Cartagena? En la película tenemos la sensación de que no pueden ser más de treinta a juzgar por la celeridad con que se presentan la esposa y el hijo del protagonista en el escenario del accidente.

22 de enero de 2012

PICNIC (Picnic)
(USA) Columbia, 1955. 114 min. Color. CinemaScope.
Pr: Fred Kohlmar. G: Daniel Taradash, basado en la obra de William Inge. Ft: James Wong Howe. Mt: Charles Nelson y William A. Lyon. DA: Jo Melziner y William Flannery. Vest: Jean-Louis. Ms: George Duning. Dr: Joshua Logan.
Int: William Holden, Kim Novak, Rosalind Russell, Betty Field, Arthur O’Connell, Cliff Robertson, Susan Strasberg, Verna Felton, Reta Shaw, Nick Adams, Raymond Bailey.
La ingenua pero voluptuosa Madge (Kim Novak) es debidamente "aconsejada" por su madre (Betty Field)
Hal (William Holden) y Alan (Cliff Robertson), antiguos compañeros de estudios, tienen un prometedor reencuentro para el primero
La desinhibida espontaneidad de Hal tendrá su repercusión entre las mujeres de esa pequeña ciudad
SINOPSIS: Un vagabundo, hombre joven de carácter desinhibido y tierno, recala en una pequeña ciudad de Kansas donde reencuentra a un antiguo compañero de universidad a quien pide trabajo. Pero su presencia en ese lugar, vigorosa y amigable, despertará la sexualidad reprimida en las mujeres que conoce, provocando con ello un drama que estallará durante la celebración de una fiesta campestre, cuando la novia de su amigo, una preciosa muchacha, exterioriza finalmente su atracción por nuestro hombre.
El conocido recurso del "split screen"? No. Un óptimo aprovechamiento del formato Scope
Una Madge en celo, influída por la calentada atmósfera de esa noche veraniega y su reprimido deseo hacia Hal, se deja llevar por los compases de la música
Hal y Madge, frente a frente en la pista de baile, exteriorizarán sus sentimientos sin importarles las consecuencias de su actitud
COMENTARIO: Se trata, hasta cierto punto, de una audaz trasposición al cine de la obra teatral de William Inge. En el momento de su estreno, la película causó sensación por la sorpresiva franqueza expositiva que los espectadores de la época pudieron apreciar en unos diálogos y situaciones que iluminaban frontalmente ese lado hasta entonces no mostrado de las “familias felices” y la “bondad” de la vida cotidiana en las pequeñas comunidades. Con un excelente uso del formato Scope, las imágenes creadas por Joshua Logan (que ya había dirigido la pieza en los escenarios de Broadway) resultan contundentes, coloristas y extraordinariamente precisas en la captura de detalles y sutiles simbolismos (algunos no tan sutiles, como el plano de Kim Novak acariciando distraída un tronco pulido y redondeado mientras contempla el torso desnudo de William Holden), logrando hacernos sentir la alta temperatura de una atmósfera -es verano- cargada de sensualidad a flor de piel y que tendrá su climax en la electrizante secuencia del baile nocturno en el embarcadero. 
Hemos de referirnos ahora a la modélica y rentabilizadora dirección de actores, desde el aprovechamiento del físico y las limitaciones gestuales de la Novak, hasta el debido encauzamiento de los excesos histriónicos de la estupenda Rosalind Russell. Tal vez debamos reseñar el hecho de que Holden no resultara en pantalla lo suficientemente brusco y sexualmente agresivo, pero el actor ejecutó una inteligente y matizada composición de su personaje que añadía una buena dosis de carisma respecto a su referente escénico. Memorable banda sonora a cargo de un inspiradísimo George Duning.

16 de enero de 2012

EL GATOPARDO (Il Gattopardo)
(It-Fr) Titanus / Pathé Cinema, 1963. 205 min. Color. Technirama.
Pr: Goffredo Lombardo. G: Suso Cecchi d'Amico, Enrico Medioli, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa y Luchino Visconti, basado en la novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa. Ft: Giuseppe Rotunno. Mt: Mario Serandrei. DA: Mario Garbuglia. Vest: Piero Tosi. Ms: Nino Rota (y un vals inédito de Giuseppe Verdi). Dr: Luchino Visconti.
Int: Burt Lancaster, Claudia Cardinale, Alain Delon, Romolo Valli, Paolo Stoppa, Serge Reggiani, Rina Morelli, Mario Girotti (Terence Hill), Lucilla Morlacci, Ivo Garrani, Leslie French, Pierre Clementi, Giuliano Gemma, Ida Galli, Ottavia Piccolo, Brook Fuller, Carlo Valenzano.
El semblante risueño del príncipe de Salina (Burt Lancaster), enmascara el certero presentimiento de una decadencia inexorable
En la genuina belleza de Angelica Sedara (Claudia Cardinale), en su voracidad apenas contenida, emerge una clase social pujante que desplazará a la aristocracia que representa Don Fabrizio Salina y su estirpe. 
SINOPSIS: Hacia 1860, un noble siciliano, el príncipe Don Fabrizio Salina, al frente de su familia afronta con serena lucidez los cambios sociales iniciados con la invasión de Sicilia por las tropas piamontesas, la anexión de la isla al Reino de Cerdeña y la consiguiente unificación de Italia bajo el reinado de los Saboya y que precipitarán la decadencia de su clase social, una aristocracia feudal que será "dulcemente" desplazada por una interesada y pujante burguesía.
Tancredi Falconeri (Alain Delon), con criticable pragmatismo, sabrá adaptarse a los cambiantes tiempos
La prolongada velada del baile en el palacio de los Salina, resultará reveladora para el lúcido Don Fabrizio
COMENTARIO: Comprendiendo al príncipe de Salina (un soberbio Burt Lancaster), identificándose con su postura ("...Y después será distinto, pero aún peor. Fuimos los gatos salvajes, los leones; los que nos sustituyan serán chacales, alimañas, y todos juntos, alima­ñas, chacales, leones y gatos salvajes, continuaremos creyén­donos la sal de la tierra"), pero observándole con la distancia necesaria para la obtención de una nítida perspectiva, Visconti, hombre culto y refinado, aristócrata milanés de pensamiento marxista, nos ofreció en “EL GATOPARDO” un revelador fresco histórico que a la vez resulta un sensacional espectáculo de gran belleza plástica, cuyas imágenes, sugerentes y poéticas, de minuciosa y exquisita caligra­fía, nos remiten, por momentos, a un cine ope­rístico de complicada y virtuosista arquitec­tura (algunas escenas en el palacio de los Salina o las secuencias de los combates de los garibaldinos contra las tropas borbónicas), adoptando en otros un concepto pictórico en la cons­trucción de los planos (la jornada de caza con Don Fabrizio y Don Ciccio Tumeo).
Para acabar, resulta obligado destacar en esta obra primorosa de un Visconti en la cumbre, la dilatada y portentosa secuencia del baile, de insuperable diseño, que viene a ocupar toda la última parte del film, y la inspirada partitura a cargo del gran Nino Rota (enriquecida, además, con el "Vals brillante" de Verdi, rescatado del olvido e incluido en la mencionada secuencia).

12 de enero de 2012

CARTA DE UNA DESCONOCIDA (Letter from an Unknown Woman)
(USA) Universal / Rampart, 1948. 89 min. BN.
Pr: John Houseman. G: Howard Koch y Max Ophüls, basado en la novela de Stefan Zweig. Ft: Franz Planer. Mt: Ted J. Kent. DA: Alexander Golitzen. Vest: Travis Banton. Ms: Daniéle Amfitheatrof. Dr: Max Ophüls.
Int: Joan Fontaine, Louis Jourdan, Mady Christians, Marcel Journet, Art Smith, Carol Yorke, John Good, Howard Freeman, Leo Pessin, Erskine Sanford.
Lisa tiene un vecino concertista de piano del que está secretamente enamorada, pero él apenas repara en ella
Han pasado los años y en la mirada perdida de Lisa creemos adivinar insatisfacción y añoranza
SINOPSIS: Los recuerdos de un mujeriego concertista de piano evocados por la carta que una mujer a la que sedujo en el pasado, le envía desde su lecho de muerte. Olvidada por él desde hace años, ella ha continuado amándole durante todo ese tiempo.
Las azarosas vidas de Stefan y Lisa han descrito cercanas pero inencontrables trayectorias
Joan Fontaine y Louis Jourdan, dos perfiles de medallón en una imagen promocional
COMENTARIO: En su exilio americano, el alemán Max Ophüls realizó varias obras importantes, entre las que destaca esta embelesante película, una de las cumbres del cine romántico (junto a títulos como “JENNIE” y “EL FANTASMA Y LA SRA. MUIR”), bañada por una vaga tristeza (también como aquellas) y que compendia todas las virtudes, no siempre reconocidas, que adornaron su cine: la elegancia formal al servicio de la historia, una sutil introspección en el alma femenina y el estudio de algunas patologías del amor. “CARTA DE UNA DESCONOCIDA” es una tragedia en la que de nuevo la mujer vuelve a ser la víctima del egoísmo del hombre y de la fatalidad (recordar su "LIEBELEI"), narrada con un rigor clásico con frecuencia definido por suaves y prolongados movimientos de cámara y enmarcado en la belleza de una maravillosa Viena recreada en decorados. 
Joan Fontaine, una de las mejores actrices que nos ha dado el cine de Hollywood (basta rememorar sus composiciones en "REBECA", "SOSPECHA", "NACIDA PARA EL MAL" y "MÁS ALLÁ DE LA DUDA"), está maravillosa en las diferentes edades de la obsesionada protagonista. Hasta Louis Jourdan está bien.

6 de enero de 2012

MI DESCONFIADA ESPOSA (Designing Woman)
(USA) MGM, 1957. 118 min. Color. CinemaScope.
Pr: Dore Schary. G: George Wells, sugerido por una idea de Helen Rose. Ft: John Alton. Mt: Adrienne Fazan. Cor: Jack Cole. DA: William A. Horning y Preston Ames. Vest: Helen Rose. Ms: André Previn. Dr: Vincente Minnelli.
Int: Gregory Peck. Lauren Bacall, Dolores Gray, Sam levene, Tom Helmore, Mickey Shaughnessy, Jack Cole, Jesse White, Chuck Connors, Edward Platt, Alvy Moore, Don Burnett, Dean Jones, Richard deacon, Max Showalter.
La sofisticada Marilla reflexiona sobre la pertinencia de su impulsivo matrimonio con Mike
Pertenecen a mundos irreconciliables y los desajustes en esa pareja no se hacen esperar
SINOPSIS: Durante una juerga entre colegas, un cronista deportivo conoce a una diseñadora de modas y, mutuamente atraídos, se casan. Pronto serán notorias las diferencias entre los mundos de ambos, chocando con estrépito entre una serie de enredos complementarios propiciados por una temperamental ex novia y unos gangsters.
La despechada Lori Shannon (magnífica Dolores Gray) esconde aviesas intenciones para con su ex novio
Maxie Stultz (antológico Mickey Shaughnessy) es un boxeador sonado dispuesto a defender ciegamente a su amigo Mike de los "hombres que le miran mal"
COMENTARIO: El inicio de “MI DESCONFIADA ESPOSA” (que tomado ahora hubiera dado lugar a una burda comedia del tipo “RESACÓN EN LAS VEGAS”) y que propicia esa beligerante trama en torno al “reajuste conyugal” de Mike y Marilla, podría recor­darnos esas comedias “matrimoniales” que bordaba George Cukor (sin ir más lejos, “LA COSTILLA DE ADÁN”). Pero no, ésta es de Minnelli, muy de Minnelli. Brillante, incisiva y desopilante, estamos sin duda alguna ante una de las mejores comedias de este elegante e inspirado director (muy poco valorado hasta que los chicos del “Cahiers” francés lo “descubrieron” en los años cincuenta), en la que no faltan hallazgos antológicos como, por ejemplo, la solución acústico-visual dada a la resaca de Gregory Peck, el inefable personaje del boxeador sonado que incorpora Mickey Shaughnessy o el improvisado momento musical surgido de la pelea final en el callejón, en la que uno de los contendientes (Jack Cole) es coreó­grafo y coherentemente opta por resolverla a ritmo de ballet. La felina y magnética Lauren Bacall está espléndida en un papel en principio destinado a Grace Kelly que prefirió desertar en pos de un regio destino en Mónaco. 
NOTA: como dato a reseñar, durante el rodaje la Bacall estaba pasando por momentos amargos con su esposo Humphrey Bogart agonizante a causa de un cáncer de esófago.