28 de septiembre de 2011

MELODÍAS DE BROADWAY 1955 (The Band Wagon)
(USA) MGM, 1953. 112 min. Color.
Pr: Arthur Freed y Roger Edens. G: Betty Comden y Adolph Green. Ft: Harry Jackson Mt: Albert Akst. DA: Cedric Gibbons y Preston Ames. Ms: Arthur Schwartz. Can: varios. Dr Ms: Adolph Deutsch. Cor: Michael Kidd. Vest: Mary Ann Nyberg. Dr: Vincente Minnelli.
Int: Fred Astaire, Cyd Charisse, Oscar Levant, Jack Buchanan, Nanette Fabray, James Mitchell, Robert Gist, Douglas Fowley, Leroy Daniels, Julie Newmar. Cameo: Ava Gardner.
Alegría, ritmo y color en la feria
Jamás el cine musical brilló tanto en la oscuridad de una noche mágica en el parque
SINOPSIS: Tony Hunter, un bailarín que teme haber perdido su popularidad tras un prolongado periodo de tiempo sin trabajar en el cine, es llamado por un prestigioso y excéntrico director de Broadway para que forme parte de su enloquecido proyecto de montar en Broadway un musical serio basado en Fausto. Allí reencuentra a sus viejos amigos Lester y Lily, también reclutados para este asunto, y es presentado a Gaby, su compañera en la obra, una atractiva bailarina de ballet clásico con la que al principio no congenia. Previsiblemente, el estreno resulta un fracaso. Sin ceder al desánimo y para salvar la inversión, los miembros del equipo deciden reconvertir el espectáculo en algo menos “artístico” y más alegre.
Las piernas de Cyd y las de Fred, sus cuerpos, en un musical de Minnelli ¿se puede pedir más? Sinceramente, creo que no.
COMENTARIO: Indudablemente, se trata del mejor musical rodado por Vincente Minnelli; tan perfecto y fascinante, tan inventivo y dinámico como el que hicieran un año antes Donen y Kelly, “CANTANDO BAJO LA LLUVIA”, del que, en cierto modo, heredó la estructura dramática y la esencia de su argumento (dejarse de ampulosas ambiciones “artísticas”, desembarazarse de prejuicios y dar al público lo que le gusta con la mayor dosis posible de talento) y algunas de las características que animan a los personajes (compañerismo, amistad, amor, contagiosa alegría de vivir y por lo tanto, capacidad para pasar al otro lado del espejo –y nosotros con ellos– transformando lo cotidiano en algo mágico). La ilusión se completa con una cámara integrada y participante (así, la sensación de emplazamiento y escenario viene a desaparecer) en un estilizado mundo de luz, color, ritmo, adorables personajes y problemas con solución. La película contiene –entre otros muchos– tres momentos de indescriptible musicalidad que son al mismo tiempo la esencia del cine-cine y para los que las palabras no valen, hay que verlos y sentirlos: cuando Fred Astaire, recién llegado a Broadway, penetra en un local de diversión con máquinas tragamonedas y un orondo limpiabotas de color comienza a lustrar sus zapatos (“A Shine on Your Shoes”), o cuando Astaire y la electrizante Cyd Charisse, pasean de noche por Central Park e inician un embelesante baile (“Dancing in the Dark”), y en tercer lugar, el más famoso de todos, el ballet final, de audaz coreografía, homenajeando el mundo de las novelas pulp de Mickey Spillane y el género negro en general (“Girl Hunt Ballet”).

22 de septiembre de 2011

TE QUERRÉ SIEMPRE (Viaggio in Italia)
(It-Fr) Sveva / Junior / Italiafilm, 1953. 80 min. BN.
Pr: Mario del Papa y Marcello D'Amico. G: Roberto Rossellini y Vitaliano Brancati. Ft: Enzo Serafin. Mt: Jolanda Benvenuti. DA: Piero Filippone. Ms: Renzo Rossellini y canciones populares napolitanas de Giacomo Rondinella. Dr: Roberto Rossellini.
Int: Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Paul Muller, Leslie Daniels, Natalia Ray, Anna Proclemer, Jackie Frost, Lyla Rocco, Bianca Maria Cesaroli.
El matrimonio formado por Katherine y Alex relaja sus tensiones mientras el sol mediterráneo baña sus rostros
Una Ingrid Bergman muy bella pero de rostro algo demacrado
SINOPSIS: Un matrimonio inglés viaja a Italia para vender una villa cerca de Nápoles que un familiar les ha legado al morir. Durante su estancia allí, fuera de su amorti­guador entorno londinense, en un país y un paisaje que les son ajenos, la pareja experimentará sentimientos casi olvidados como los celos, el despecho y el resentimiento. Bastará una estúpida riña para que repenti-namente decidan divorciarse. Pero pronto comprenderán, en medio del fervor popular de una procesión religiosa, que se aman por encima de todo y se necesitan.
En medio del fervor religioso de una procesión, se obra el "milagro" entre Katherine y Alex
COMENTARIO: La película, en un primer visionado poco atento, puede parecer improvisada e incluso formalmente descuidada. Sin embargo, se trata de un riguroso ejercicio de intencionalidad limpia y milimétricamente resuelta por la vía de un no-drama en el que aparentemente nada importante sucede (cinco días de "relajado" turismo para una tranquila y aburrida pareja inglesa de vacaciones cerca del Vesubio). Pero los personajes serán "activados" por el influjo que sobre ellos ejerce el entorno, se descubrirán el uno para el otro. La narrativa, de soluciones muchas veces mal interpretadas, resulta aún hoy de una modernidad casi revolucionaria en su sintética y perfecta conjugación de ética y lenguaje. Jacques Rivette dijo en su día: "Con la aparición de "VIAGGIO IN ITALIA" todas las demás películas han envejecido súbitamente diez años". Tal vez puede resultar tajante, pero volviendo a verla, creemos que tenía razón.

18 de septiembre de 2011

LA VIDA MANCHA
(Esp) Tornasol Films / Iberrota Films, 2002. 107 min. Color.
Pr: Gerardo Herrero y Fernando Victoria de Lecea. G: Michel Gaztambide. Ft: Carles Gusi. Mt: Pablo Blanco. DA: Carlos Bodelón. Vest: Patricia Monne. Son: Licio Marcos de Olivera y Nacho Royo. Ms: Mario de Benito. Dr: Enrique Urbizu.
Int: José Coronado, Zay Nuba, Juan Sanz, Sandro Polo, Yohana Cobo, Silvia Espigado, May Pascual, Alfonso Torregrosa, Enrique Martínez, Susi Sánchez, Cesáreo Estébanez.
Ese extraño llegado de ninguna parte, cambiará la vida de una familia
SINOPSIS: Tras años de ausencia, un hombre vuelve para pasar unos días con su hermano. Éste se ha casado, tiene un niño y se gana la vida con su camión, pero el vicio del juego le impide disfrutar de lo que tiene porque todo lo que gana se lo juega. La visita de ese personaje remoto, aparen temente corta y banal, va a cambiar sus vidas dejándoles una mancha indeleble en el corazón.
Mientras ella mira a su pequeño hijo, él observa a esa inaccesible mujer que representa el amor y la estabilidad que nunca tendrá.
COMENTARIO: Tras la muy interesante “LA CAJA 507”, Enrique Urbizu dió con “LA VIDA MANCHA” otra prueba de su espléndida madurez como realizador. Estamos ante una película que nos habla sobre el control de las emociones y los sentimientos, de cómo surgen dentro de nosotros, de esa pugna que se establece entre lo que debemos hacer y lo que deseamos hacer y de cómo bajo determinadas circunstancias debemos elegir. El realizador recurre a un minimalismo narrativo de elipsis y silencios, de miradas en las que podemos “leer” o intuir todo lo que el film elude en su narración, todo lo que los personajes ocultan. Imágenes densas, expresivas, cargadas de emoción, merced a una puesta en escena perfectamente medida y que incluye una portentosa dirección de actores. José Coronado está impresionante. Una curiosidad: a poco que cotejemos argumento y personajes ¿podría considerarse “LA VIDA MANCHA” como un remake no confeso de “RAÍCES PROFUNDAS”?

11 de septiembre de 2011

LOS VIKINGOS (The Vikings)
(USA) United Artists/Bryna, 1958. 116 min. Color. Technirama.
Pr: Jerry Bresler. Pr Ej: Kirk Douglas. G: Calder Willingham y Dale Wasserman, basado en la novela "The Viking" de Edison Marshall. Ft: Jack Cardiff. Mt: Elmo Williams. DP: Harper Goff. Ms: Mario Nascimbene. Dr: Richard Fleischer.
Int: Kirk Douglas, Tony Curtis, Ernest Borgnine, Janet Leigh, James Donald, Alexander Knox, Frank Thring, Maxine Audley, Eileen Way, Edric Connor.
El odio y la duda se reflejan en el rostro mutilado de Einar (un soberbio Kirk Douglas)
El maltratado Eric (Tony Curtis) ignora su origen y busca su identidad
SINOPSIS: Durante una incursión vikinga en tierra inglesa, el jefe de la horda viola a una reina que dará a luz un niño. Veinte años después, la criatura ha crecido ignorando su origen y el destino le enfrenta con su hermanastro vikingo. Entre ambos hombres se establece una relación de odio, agudizado por el amor que sienten hacia una bella damita inglesa capturada en el mar.
La bella Morgana (Janet Leigh) azuzará, sin pretenderlo, el odio entre Einar y Eric
El noble y fiero Ragnar (Ernest Borgnine) pide a su ignorado hijo que le permita morir como un vikingo
COMENTARIO: La profunda belleza de esta película tiene su germen en uno de los guiones más hermosos que jamás filmó Fleischer. El sentido armónico, casi musical en la concatenación de planos, la verdad extraída en cada uno de ellos hasta hacernos sentir "fisicamente" el paisaje, el choque del hierro, un hacha clavándose en la madera, la niebla, el roce de los remos con el agua, ¡hasta la temperatura del agua!, Einar y sus guerreros caminando sobre los remos de la nave, riendo y cayéndose. Film de fuertes sensaciones, poético y salvaje, con un perfecto y aportativo uso del formato scope en la composición de los encuadres que además, por momentos, juega inteligentemente con una "prolongación" de la acción en los espacios fuera de campo (algunos instantes de violencia indirecta). Una soberbia dirección de actores aprovechó con eficacia el lado bestia de Kirk Douglas (impagables momentos en la prueba del hacha con la rubia adúltera) y el mórbido físico de Janet Leigh. En suma, una redonda, fascinante obra maestra de seminal imaginería, un espectáculo total y la más apabullante prueba del prodigioso talento del autor de "DUELO EN EL BARRO".

6 de septiembre de 2011

HASTA QUE LLEGÓ SU HORA (Once Upon a Time in the West / C'era una volta il West)
(It-USA) Paramount/Rafran/San Marco, 1968. 168 min. Color. Techniscope.
Pr: Fulvio Morsella. Pr Ej: Bino Cicogna. G: Sergio Leone, Sergio Donati, Dario Argento y Bernardo Bertolucci. Ft: Tonino Delli Colli. Mt: Nino Baragli. DP: Carlo Simi. Vest: Antonella Pompei y Carlo Simi. Ms: Ennio Morricone. Dr: Sergio Leone.
Int: Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards, Charles Bronson, Gabrielle Ferzetti, Frank Wolf, Woody Strode, Jack Elam, Keenan Wynn, Paolo Stoppa, Al Mulock, Benito Stefanelli, Aldo Sambrell, Don Galloway.
El gran Henry Fonda encarna a un inesperado malvado
Del lacónico personaje que incorpora Charles Bronson, no sabremos gran cosa hasta el final de la película
SINOPSIS: Mientras una mujer viaja por el Oeste al encuentro del hombre con el que se ha casado por poderes, varias historias paralelas confluirán finalmente en el hervidero humano de intereses y aventura que representa el escenario en el que se está construyendo el ferrocarril.
Una fascinante mujer (a la que da vida Claudia Cardinale), de carácter pragmático y endurecida por un entorno hostil
Jason Robards borda ese curioso "Cheyenne", forajido reflexivo y de vuelta de todo
COMENTARIO: Ambiciosa y estilizada epopeya westerniana concebida con un peculiar y ajaponesado sentido del ritmo consistente en un estiramiento del tempo hasta límites exasperantes, merced al uso -no por exhaustivo menos inteligente- del primer plano, un montaje segmentador y una cámara que se mueve con geométrica ampulosidad creando y deshaciendo espacios en un fantasmagó­rico ballet con los actores. Y hablando de ellos, cabe destacar la excitante ambigüedad, probablemente no buscada, en el malvado que encarna Henry Fonda al chocar frontalmente el físico y estilo interpretativo de este gran actor con su personaje (el primer malvado integral en su historia).
Entre las numerosas curiosi­dades que ofrece esta película, señalar también que Jason Robards da vida a un tipo que bien podría considerarse un claro precedente del Cable Hogue peckinpahniano que haría un año después.
Nota: en su día, en España, se estrenó una versión salvajemente mutilada que rompía la barroca arquitectura del film y desvirtuaba algunos de sus contenidos hasta hacerlos casi desaparecer. En cualquier caso, el film, en su versión más larga conocida hasta la fecha, aún muestra bruscas (y sospechosas) elipsis narrativas, probablemente no imputables al autor.
Otra nota: El actor de origen canadiense Al Mulock que interpreta a uno de los tres pistoleros que esperan a “Armónica” en la estación durante la larga secuencia de los títulos de crédito y que ya había trabajado con Leone en “EL BUENO, EL FEO Y EL MALO”, se suicidó durante el rodaje, arrojándose por la ventana de su habitación en el hotel de Guadix donde se alojaba.

1 de septiembre de 2011

EL SUR 
(Esp-Fr) Elías Querejeta/Chloe, 1983. 93 min. Color.
Pr: Elías Querejeta y Jean-Pierre Fougez. G: Víctor Erice, basado en un relato de Adelaida García Morales. Ft: José Luis Alcaine. Mt: Pablo G. del Amo. DA: Antonio Belizón. Ms: Clásicos populares. Dr: Víctor Erice.
Int: Omero Antonutti, Sonsoles Aranguren, Iciar Bollaín, Lola Cardona, Rafaela Aparicio, Aurore Clement, Francisco Merino, María Caro, José Vivó, Germaine Montero, María Massip (voz).

La figura enigmática, solitaria y silenciosa del padre encierra un secreto pasado
SINOPSIS: En la España de los años cincuenta, un matrimonio y su hija viven en una casa rústica de la meseta norte, llamada "La gaviota". La vida allí transcurre suavemente, mientras la niña observa fascinada la figura casi mágica del padre, hombre recto y taciturno, desplazado y solitario, emocionalmente raptado por el inexplorable pasado de un oscurecido, ignorado romance. Pérdida y amargura con raíces en un lejano sur que hubo de abandonar.
En la penumbra de su habitación, Estrella contempla el péndulo "mágico" de su padre
COMENTARIO: Las bellísimas y turbadoras imágenes de este enigmático film ejercen una atracción que no podemos esquivar y nos sumergen en el río mágico y neblinoso de la memoria, hasta llevarnos a ese lugar indefinido y metafórico en el que los sueños sufren el inexorable tránsito que conduce a la realidad. Cuando en la niña Estrella se produce el paso imperceptible pero súbito a la adolescencia, el misterio, los enigmas permanecen. Sin embargo, la magia ha desaparecido, y la figura del padre, desposeída del aura, no puede evitar perder a su hija en aquel último encuentro en el restaurante. Este hombre, desde su frustración vital, sumergido en una creciente tormenta interior, la ve alejarse hacia la prosaica realidad de un mundo tangible. Ya sin nada a qué asirse, buscará la muerte. Ahora Estrella, poseída por el recuerdo de lo irrecuperable, contempla el péndulo "mágico" con el que su padre encontraba agua y la enigmática, exigua herencia del contenido de la cajita, mientras finalmente se dispone a emprender un viaje al sur... Nota: en el guión original existía una "segunda parte" que se desarrollaba en el sur, donde Estrella descubría aspectos ignorados del pasado de su padre. Pero diferencias de criterio con el productor Querejeta, obligaron a Erice a interrumpir la película cuando la protagonista se dispone a emprender el viaje a ese sur que da título al film. Nunca sabremos la obra resultante de haber podido ser filmada en su totalidad. En cualquier caso, tal como la conocemos, resulta una absoluta obra maestra.